2019年01月30日

ティム・バックリィ グッバイ・アンド・ハロー

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ティム・バックリィ グッバイ・アンド・ハロー
(ワーナー・ミュージック)


私事で恐縮ですが、大分声フェチでございます。

で、どちらかといえば単純に綺麗な声というよりも、透明度も濁りも、高さも低さも、安定してそこにあるのではなく、いずれかの方向に特化した声や、或いは逆に声域の広さが表現の幅に直結して、澄み切っていると思ったら急に荒ぶって制御不能な感じになってしまう狂気の声も好きです。

声というものは、人間が使える唯一の打楽器以外の楽器だと思っています。

しかもそれは感情と引き剥がせないほど密着して結合していて、ある意味で歌い手のどうしようもない部分もさらけ出してしまう。

そこで聴く人は思う訳です

「この声をもっと聴きたい」

と。


特に最近は「歌」といえば「上手い/上手くない」ということばかりが話題になりますが、「上手い」と言われている無難で前向きで当たり障りのない表現を耳にすることもよくあります。

本来の人の声の持つ凄味からどんどん離れて行っている無難で当たり障りのない形容になってきているような気がしますが、それに文句を言ってもまぁ仕方のない事でありますので、せっせと古今東西関係なく、アタシは”声が凄い人”の歌が聴きたいなぁと思いながら音源を探しまくったり、ストックのCDやLPを聴き込もうと思います。

さて「声の凄さ」に惹かれてしまった場合、アタシは大体その歌手さんの中毒者になるんですが、今まで声だけで中毒にさせてくれた人といえばジャニス・ジョプリン、ブラインド・ウィリー・マクテル、ビリー・ホリデイ、遊佐未森、テキサス・アレクサンダー、カート・コバーン、アマリア・ロドリゲス、ジョニー・キャッシュ兄貴、フレッド・ニール、友川かずき、ニール・ヤング、浅川マキ、ロバート・ジョンソン、スキップ・ジェイムス、ハウリン・ウルフ、エディ・ヴェーダー、サム・クック、エタ・ジェイムス・・・ダメだ、やっぱり数えきれないのでこの話題避けて本題へ移ります(><)



はい、ティム・バックリィですねぇ。。。


この人はもう”声”の人です。

孤独の縁を漂うような低域、突如憑かれたように荒れ狂う高域、ハッキリ言って情緒のあらうい”ゆらぎ”そのものが人間の姿をして発しているような、どうしようもなさの化身のような声。

でも、その声には一種独特の儚い幽玄の美が宿り、ヒリヒリさせながらも聴く人の心を底なしの怖いぐらいの優しさで包み込んでしまう。


1960年代半ば、仲間達とフォーク・バンドを結成してプロデビューを目指しましたが、余にも彼の歌だけが際立っていたのでバンドではなくソロ・ミュージシャンとしてデビュー。

幻想的な歌声と呼応するような12弦ギターの繊細な響きは当時流行のフォーク・ミュージックの中でも個性を際立たせ、セールス的にも成功を収めましたが、彼はそもそもフォークの限られた表現に満足せず、サイケデリックやフリージャズ、ファンクなど徐々に様々な音楽的実験の深みにはまり、その革新的な成果とは裏腹にセールス的にはどんどん厳しくなり、デビューから9年後の1975年に薬物とアルコールの過剰摂取で29歳という若さで死去。

その後彼はアシッドフォークのヒーローとして、一部のファンから熱狂的に支持されておりましたが、80年代以降には彼の楽曲をカヴァーするロックバンドが出て来たり、90年代に息子のジェフ・バックリィが同じように歌手としてブレイクして、同じように若くして非業の死を遂げたこともあり、話題になりました。

それよりも何よりも、リアルタイムでは実験的過ぎてついていけないとか、難解だとか言われた彼の詩や音楽が、プログレッシブを通過して様々なジャンルの音楽の要素を取り入れたロックが当たり前になってきた90年代以降の時代に、ようやくありのまま「良いもの」として聴かれるようになってきたから、ちょいと昔の音楽も聴く若い洋楽好きにも「これはいいね」と聴かれるようになったんだと思います。

はい、その90年代に”若者”で、ティム・バックリィの音楽をフツーに「いいね!」と聴くようになったのはアタシだったりするんですが、最初に聴いた2枚のアルバムが、ひとつは初期のまだ純粋なフォークロックの感じが残ってるアルバムで、もうひとつは「狂気の名盤」と呼ばれた後期のフリージャズ/アヴァンギャルドな作風のアルバムでした。

正直な感想として「音楽的には随分違うことをやってるような気はするけど、それより何より歌がカッコよくて声に鷲掴みにされたからそんなの関係ない。つうかこの人の声ほんとやべぇ、入手できるもの全部集めたい!」と、そのまんま翌日には最寄りのレコード屋さんに走らせてしまうぐらいの強烈な説得力と、何か人を動かしてしまう力のようなものを感じて、はい、アタシはまんまとそれに憑かれてしまったんですね。ティム・バックリィのオリジナル・アルバムはその後数年のうちにほとんど入手してしまいました。





グッバイ・アンド・ハロー


【収録曲】
1.ノー・マン・キャン・ファインド・ザ・ウォー
2.カーニヴァル・ソング
3.プレザント・ストリート
4.幻覚
5.アイ・ネヴァー・アスクト・トゥ・ビー・ユア・マウンテン
6.ワンス・アイ・ワズ
7.ニ人の幻影
8.騎士
9.グッバイ・アンド・ハロー
10.モーニング・グローリー




その、最初に聴いたアルバムのうちの1枚が、本日紹介する『グッバイ・アンド・ハロー』です。


1967年リリースの、ティムのセカンド・アルバムで、編成は彼の声と12弦ギター、それにピアノ、ベース、ドラムスなどを中心にしたシンプルなアコースティック編成のフォークロックアルバム。


声の魅力は勿論圧倒的です。

そして本作でもうひとつ特筆すべきは、彼の作る楽曲にもあります。

この時代のフォークといえば、白人ヒルビリー(フォーク以前のバラッドと呼ばれる、ブルースとも楽曲を多く共有する音楽)の影響が濃厚な、乾いた土の香りがするものが多く、それが60年代のルーツ・ミュージックを愛好する若者に大いに受けていたのですが、彼の場合はそんなルーツ回帰とはまた別の、もっともっと深い、魂の根源のようなものを感じさせる、ヨーロッパの古い民謡のような趣のある楽曲が想像を刺激します。

『幻覚』『ワンス・アイ・ワズ』『モーニング・グローリー』など、後にライヴでも定番になる、優しさと幽玄が入り混じった、悲しく錯綜した世界観を持つ曲のヒリヒリした感触はやはり素晴らしい以上の言葉が出て来ません。












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『音のソムリエ 高良俊礼の音楽コラム』

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2019年01月26日

灰の音楽~シューマン&ホリガー 室内楽作品集

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灰の音楽~シューマン&ホリガー 室内楽作品集
(ECM)

冬の寒い時期に聴きたくなる音楽というのがありますね。

そして「眺めていたい雰囲気のジャケット」というのもあります。

アタシにとってそれはECMというレーベルの音楽で、そのジャケットだったりします。

ジャズやクラシックの人にはよく

「ECM独特の・・・」

と評される、透明感とキンと冷えた空気感に満ち溢れた音、そして風景や人物や静物をひたすらモノクロームで散りばめる、何というか独特の鎮静効果がありそうなジャケット。

このレーベルが制作する音楽作品と、ジャケットさえ眺めていたら、騒々しい世間の事は一旦脇に置ける。そう、そんな感じのある種の救済のように、アタシにとってECMというレーベルは存在しております。

このECMというレーベルは、元々ジャズのレコードをリリースするレーベルとして、1969年、当時の西ドイツで設立されました。

ジャズといえばアメリカの音楽で、レコードから出て来るサウンドも、どこか翳りのある都会の夜の空気を、ズ太く増強された中低音でもって響かせているのが当たり前だった時代、オーナーでありプロデューサーのマンフレート・アイヒヤーはその”逆”に挑戦しました。

演奏家のタッチの細かいニュアンスや、楽器の響きそのものを如何に雑味なく再現できるかということを徹底して追究し、録音から音響まで、とにかく細部にまでこだわった精妙な音作りで作品を仕上げており、こうやって出来上がった作品が、図らずもそれまでの「夜、ダーティー、ワイルド」といったジャズのイメージの真逆に位置するものを生み出し、その芸術性の高さはヨーロッパはもちろんアメリカや日本でも高く評価され、名盤として評価の高い作品を今も世に送り出しております。

カタログをザッと見ただけでも、キース・ジャレットやチック・コリア、パット・メセニー、スティーヴ・キューン、ポール・ブレイなどなどなど、音色の美しい人が代表作をリリースしております。

ほいでもってこのレーベルのコンセプトが

『沈黙の次に美しい音楽』

はぁぁ・・・もう最高ですね。


・・・


はい、気を取り直して続けます。

ECMはヨーロッパの新興ジャズ・レーベルとして成功を収め、80年代にはクラシックの作品もリリースするようになります。


リトアニア出身の現代音楽家アルヴォ・ペルトの作品を皮切りに、世にあまり知られていない気鋭の作曲家の作品のリリースに努め、次第に古典や有名演奏家などの作品も、ECMはリリースするようになりました。






のアルヴォ・ペルトのところにもちょこっと書いていますが、ECMはクラシックこそヤバい!!

アタシなんかはとにかくクラシックは未だによくわかんなくて、ただ単純に「バッハ中毒」というのと「カッコイイかそうでないか」という2つのセンサーだけを動かして、ミーハーに聴いているに過ぎないんですが、もうね、ECMのクラシック・シリーズはアタシのそんなチャチいセンサーにさえもガンガン引っかかってくれるんですよ。

クラシックっていう音楽は「え〜と、バロックから始まってモーツァルトからベートーヴェンとかの流れがあって〜、ロマン派がこうで〜」と、一通りの知識が頭の中にあれば、鑑賞がとても楽しい音楽なんですが(それはクラシックに限らずロックもジャズもブルースもそうなんですが)、それより何より「はぁぁあ、今日はとっても切ない音楽に胸を撃ち抜かれたいぃ!!」とか「もう別世界にワープしてそこに住みたいぃぃ!!」という願望だけで聴ける音楽でもあるんです。

作曲家のことや理論的な事はひとまず置いて、そういった衝動に突き動かされてしまった時にそのまんまECMのクラシックに飛び込んでしまえば精神が豊かに満たされる。そんな経験はこの20年ぐらいで17回ぐらいありました。なのでECMのクラシックシリーズは、今もジャケ買いとかしております。オススメです。飛び込んでごらんなさい。




灰の音楽~シューマン&ホリガー:室内楽作品集

【収録曲】
1.カノン形式による6つの小品 作品56 (オーボエ・ダモーレ、チェロとピアノのための) 第1曲:速すぎずに
2.カノン形式による6つの小品 作品56 (オーボエ・ダモーレ、チェロとピアノのための) 第2曲:心からの表現で
3.カノン形式による6つの小品 作品56 (オーボエ・ダモーレ、チェロとピアノのための) 第3曲:アンダンティーノ
4.カノン形式による6つの小品 作品56 (オーボエ・ダモーレ、チェロとピアノのための) 第4曲:心から
5.カノン形式による6つの小品 作品56 (オーボエ・ダモーレ、チェロとピアノのための) 第5曲:速すぎずに
6.カノン形式による6つの小品 作品56 (オーボエ・ダモーレ、チェロとピアノのための) 第6曲:アダージョ
7.3つのロマンス 作品94 (オーボエとピアノのための) 第1曲:速くなく
8.3つのロマンス 作品94 (オーボエとピアノのための) 第2曲:素朴に、心から
9.3つのロマンス 作品94 (オーボエとピアノのための) 第3曲:速くなく
10.ロマンサンドル (チェロとピアノのための) Kondukt I(C.S.-R.S.)
11.ロマンサンドル (チェロとピアノのための) IAurora(Nachts)
12.ロマンサンドル (チェロとピアノのための) IIR(asche)S Flugelschlagen
13.ロマンサンドル (チェロとピアノのための) III“Der Wurgengel der Gegenwart”
14.ロマンサンドル (チェロとピアノのための) IV“heiter bewegt”(“Es wehet ein Schatten darin”)
15.ロマンサンドル (チェロとピアノのための) Kondukt II(“Der bleiche Engel der Zukunft”)
16.間奏曲-FAEソナタ イ短調 WoO2から (オーボエ・ダモーレとピアノによる)
17.ヴァイオリン・ソナタ 第1番 イ短調 作品105 (チェロとピアノによる) 第1楽章:情熱的な表現で
18.ヴァイオリン・ソナタ 第1番 イ短調 作品105 (チェロとピアノによる) 第2楽章:アレグレット
19.ヴァイオリン・ソナタ 第1番 イ短調 作品105 (チェロとピアノによる) 第3楽章:生き生きと


【演奏】
ハインツ・ホリガー(オーボエ)
アニタ・ルージンガー(チェロ)
アントン・ケルニャック(ピアノ)



はい、そんな訳で今日はECMクラシック・シリーズの中から、ホリガーのシューマン作品集であります。

ホリガーといえばクラシック界ではオーボエの名手、いやもう現代の演奏家の中では頂点に立つ人として評価の高い名人中の名人であり、演奏家以外でも指揮者としても著名で、また現代音楽の作曲家としても、あらゆる方面で大活躍する音楽家です。

で、シューマンといえばクラシックちょっとでも好きな人はもうご存知ですよね、バッハとベートーヴェンを崇拝し、ベートーヴェン後一気に広がった宮廷音楽から脱却したポピュラー音楽(と言った方がわかりやすい)としてのクラシックの進化に大きく貢献した作曲家、ロベルト・シューマン。

この人は凄い人で、作曲をさせればもう純真さと悲哀が狂おしく満ちたものを書くし、音楽だけでなく文学や哲学にも非常に造形が深くておまけに評論はキレッキレのマルチな才能を持つスーパースターなんですが、若い頃から精神の病にさいなまれ、特に40代の晩年から最期に至るまでは本当にその生き様が悲痛で、楽曲もその悲痛が音になったようなものを多く残しております。

一般的に人気だったりするのは何故か初期の作品が多く、晩年のシューマンの作品といえば、どちらかといとマイナーで、知る人ぞ知る隠れた名曲が多い、ぐらいの位置付けであると、どこかで聞いた事があるのですが、ホリガーは演奏家として、音楽家としてそんな晩年のシューマンの、作品をこよなく愛しました。


「シューマンの晩年の作品は本当に素晴らしい、この狂気一歩手前の旋律の中に輝く美しさ、胸が詰まるほどの詩的な抒情を演奏したいねぇ」

と、ホリガーは切実に願っていたと思うんですが、こういう所に事細かく気付くのがECMです。

「じゃあやりましょう、一緒に演奏したい人は誰っすか?」

という訳で、ホリガーとは気の合う音楽仲間だというルージンガー(チェロ)とケルニャック(ピアノ)の3人で、リラックスした雰囲気の中でレコーディングされたのがこの『灰の音楽』であります。

ホリガーのオーボエは、本当にクリアで研ぎ澄まされていて、オーボエ独特の「べらーん」とした雑味がないんです。そこは超一流だから当たり前だよと言われたらそこまでなんですが、それにしてもこれほどまでに綺麗なオーボエの音は聴いた事がありません。

共演のルージンガーとケルニャックのチェロとピアノの豊かな情感に溢れたチェロとピアノの音も最高ですね。特にホリガーとはコンサートでもよく伴奏を務めるケルニャックのピアノの音色の何とも切々と訴える力に満ち溢れた詩的な弾きっぷりが激しく胸を撃ちます。

「晩年のシューマン」に全然前知識なしで、何となくシューマンはピアノ曲がいいんだよなぁとか思っておりましたが、いや、晩年のシューマンの、どの曲のどの演奏からも迫ってくる詩情って本当に凄いです。

後半にはホリガー自作曲の「ロマンサンドル(チェロとピアノのための)」が収録されていて、こっちはガラッと趣を変えたヒリヒリする現代音楽ですが、ここでのチェロとピアノの緊張感溢れるやりとりと、フレーズを繰り出す毎にどんどん鋭く輝く刃のような演奏の質感、これも良いですね。

「シューマン作品集」としてはもちろん、純粋に「クラシックの凄い演奏を、最高の音質で聴きたい」という気持ちも満たしてくれます。




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2019年01月24日

The 5.6.7.8's Bomb The Twist

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The 5.6.7.8's Bomb The Twist
(Time Bomb)

さて皆さん、今日も皆さん大好きな日本のガールズ・ガレージ・バンドです。

そこで皆さん、前回ご紹介したルルーズ・マーブルは、これはもうアタシがまずもって度肝を抜かれるぐらいに衝撃を受けたバンドでありますが、今日は「ガレージ」としてもっと皆さんにとっても親しみやすいというか、安定したカッコ良さで世界的人気を誇るThe 5.6.7.8'sです。

バンド名がどう読むか分からず、アタシなんかはもう強引にずっと「ごーろくしちはちズ」ってまんまな読み方をしておりましたが(大体SMAM69も”しゃむろくじゅうきゅー”って呼んでたし、MC5も”えむしーご”って読んでた程度にはアタシは数字が苦手です)、正式な読み方は『ザ・ファイブ・シックス・セブン・エイツ』であります。

でも、日本では「ごろっぱち」と呼ばれているということを最近知ったので、アタシも簡単な方に便乗して「ごろっぱちズ」と呼ばせてもらっております。ええ。

The 5.6.7.8'sといえば、バンドブーム全盛の1986年デビューの大ベテランで、あのホワイト・ストライプスやジョン・スペンサーも熱烈なラヴ・コールを送る程の実力派。極め付けは型破りな映画監督として知られるクエンティン・タランティーノが日本に来た時入った店でかかってた彼女達の曲を聴いて「素晴らしい!オレの映画に出て欲しい!!」とすっかり興奮し、後に代表作となる『キル・ビル』に、ほとんどプロモばりの長い演奏シーンでの出演を頼み込み、実際に一番の見せ所となる大決闘シーンの導入部で、思いっきりステージで演奏してるシーンが5分ぐらいという、素晴らしい起用でありましたが、これがきっかけとなって海外で大ブレイク。今や「日本を代表するガールズバンド」としてライヴやフェスに引っ張りだこなぐらいの超人気バンドなのであります。

ガレージロックといえば、前回の記事でもご紹介したように、元々はアメリカの練習場所のない少年達が、自宅ガレージでエレキギターをただもうデカい音を轟かせていたのが始まりになっておりまして、そういう意味で粗削りなロックの代名詞となっている部分もあるんですが、The 5.6.7.8'sは演奏が非常に上手く、いかにも50年代や60年代といったヴィンテージな音作りを極め、かつ人工的な歪みに頼っておりません。

音の質感は実に気持ちの良い”テケテケ”のあの感じなんですが、演奏そのものの迫力や音そのもののバシィン!と迫る芯のある強さは大変なものです。これは機材や録音云々ではなく、長年のライヴの現場で実力として培われてきたものです。

さて、当初からその「女だてらにガレージロックをやる個性的なバンド」として知る人ぞ知る存在で、アメリカやイギリスやオーストラリアなど海外のイベントには積極的に参加して演奏していた彼女達の活動が日本でも脚光を浴びるようになったのが1990年代も半ばになって、日本でもガレージロックというものがようやくちゃんと聴かれるようになってからのことであります。

はい、実はアタシも彼女達の事を知ったのが、1996か7年頃、雑誌のレビューコーナーをチェックしてる時の事でした。


当時の流行といえばメロコアやスカコアなど、どちらかといえばカラッと能天気でメロディックな、それこそTシャツに短パンにスポーツシューズみたいなのが”パンク”として語られておりまして、その頃のアタシといえば「何だよぅ、爽やかなのなんてパンクじゃないもん」と、何故か意地になってまして、あえて、そう、あえてそういうスポーティーな感じのしないバンドの写真とかジャケットとかを見て聴きたいものをチョイスしていた時期にガレージという言葉も知ったんです。

で、The 5.6.7.8'sといえば、とにかく名前のインパクトと「女だてらにガレージか」という、一種の物珍しさから興味を持つに至ったと記憶してます。



Bomb the Twist

【収録曲】
1.Bomb the Twist
2.Jane in the Jungle
3.Three Coolchicks
4.Guitar Date
5.Woo Hoo
6.Dream Boy


その時リリースされていたのが『Bomb The Twist』。

見てくださいこのジャケット、本当にもう昭和の時代からタイムスリップしてきたようなイカした真っ赤なドレスのお姉さん達、カッコイイですよねぇ。

歌詞はほぼ英語、サウンドもギターヴォーカル、ベース、ドラムスですごくシンプルでかつ渋いトーンで実に60年代のあのアナログな感じがするんですが、音の強さや迫力という面では、その頃の似たようなヴィンテージ志向のバンドとは明らかに一線を画すリアルなものでした。

単純に「あの頃の音を再現してる」って感じじゃないんですよ、心の奥底から表現したいことをギターとベースとドラムを使って「ジャーン!」とやったことが聴く人の耳に真っ直ぐ飛んできて心を揺さぶる音。「誰々風」「何々風」とかいう言葉なんぞ、そのゴキゲンなロックンロール、彼女達のキュートで強靭なサウンドの前にはどーでもいいぐらいのカケラにまで砕けてしまう。

実際その頃はロックのギターサウンドもガンガンに進化して、単純に歪みひとつ取っても80年代とは比べ物にならないぐらいの音圧と効果が、アンプやエフェクターのツマミひとつの操作で簡単に出来た時代ですが、エフェクトをガンガンに使ったハードコアの音よりも、エフェクターとか音の厚みが出る最新の機材なんて恐らく使ってなかったであろう彼女達のサウンドの方が、真ん中に音がギュッと詰まったような迫力を感じました。

そう、すごく単純な話なんですが「いい音楽はそれこそ年代もスタイルも関係ない、演奏している人の気持ちと力量が音を鳴らす」ということです。実際このアルバムも6曲入りのミニアルバムなんですが、もう1曲目のノリノリを聴いた瞬間にそんなことどーでもよくなります。ほんと、何回繰り返し聴いたかわかりません。あんまり聴き過ぎて、人に貸したら結局返って来なくなっちゃったというオチが付きますが、まぁそれは借りた本人が「すっごい良かったよ!」と言うのを聞けたから良しとします。

ほいでもってThe 5.6.7.8.sは今も現役のバリバリであります。

去年アタシのバンド練習の時、つい最近のパンク/ガレージのイベントのDVDを観てたら、全っ然変わらないどころか何か底力がパワーアップしている感じのすげー演奏で盛り上げてました。いやほんとカッコイイ。




『音のソムリエ 高良俊礼の音楽コラム』

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