ディープなコラム こちらにも書いてます♪

2017年05月24日

ザ・フューチャリスティック・サウンド・オブ・サン・ラー

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ザ・フューチャリスティック・サウンド・オブ・サン・ラ
(Savoy/LONEHILLJAZZ)

サン・ラーが地球に降り立って103年、地球を離れてからやがて四半世紀が過ぎようとしておりますが、彼の人気は従来のジャズファンのみに留まらず、サイケなロックやプログレ、音響系が好きな人達、ヒップホップやハウス/テクノなど、クラブユースな音楽が好みの方々にも「カッコイイ」と広く受け容れられておるのです。

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サン・ラーの音楽を、彼のことを何も知らないリスナーに聴かせてみると、例えばロック好きなら「クレイジー!」ということになり、電子音好きには「ディープ」との反応が返ってきて、ジャズに興味のある人には「ぶっ飛んでる!」ソウルやファンクが好き人には「渋い!」と、それぞれ目論んだ通りの反応が返ってきてニンマリしたこともありました。

何故、サン・ラーがそんな風に若い人達にウケるのかといえば、一言でいえば彼が元々”ジャズ”というひとつのジャンル内で収まるような表現に拘らず「これはいい」と思ったサウンドはどんどん取り入れて極めていたからでありましょう。それでいて表現の根本にある”ジャズ”の手を抜くことは決してなかった。

カラフルに、変幻自在に立ち回る、一流の実力者揃いのビッグバンドを駆使しての、自由で解放の喜びに満ちたサウンドや、キラキラした派手な衣装、ヴォーカルナンバーやダンサーも入れた”見て、聴いて、体感して楽しめるステージ”が、そのまま普遍的なものであり、彼が活動を始めた1950年代の初頭から現在の三代目サン・ラー・アーケストラ(リーダーは長年サックス奏者を務めてきたマーシャル・アレン)にまで、変わらず受け継がれてきた「純粋に楽しくカッコイイもの」が、流行やテクノロジーの変化に呑まれたり流されたりすることなく変わらぬ魅力を放っているからだと思います。


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5月22日は、サン・ラーの誕生日、や、土星から来た古代エジプト人の末裔であるところの彼流に言えば”地球に降り立った日」でありました。

そこでサン・ラーの音楽と深い見識と体験から練られた彼の宇宙哲学を愛するアタシとしては、コレはサン・ラーを聴かねばならぬぞと初期の頃から最近までのアルバムを色々と物色して自宅や車で流しておりました。


第二次世界大戦が終わった翌年の1946年、地球での生まれ故郷アラバマ州バーミンガムで、大学の音楽教員養成コースの学生として過ごしていたサン・ラーは

「世界が大混乱に陥り、望みを失ったとき、君の話に世界が耳を傾けるだろう」

という宇宙からの啓示を受け「よし、では俺は本格的にプロの音楽家になるぞ」と、南部から黒人がまず行く街として賑わっていたシカゴへ移住します。

シカゴといえばブルースやR&Bがあちこちで流れていたブラック・ミュージックの都ですが、もちろんこの地ならではのジャズも盛んでした(元々戦前にニューオーリンズから移住してきたジャズマン達が根強い影響を残していたのがシカゴでもあるんですが、その話はまたいつか・・・)。

サン・ラーはここで自らのオーケストラを組むべくメンバーを集め、自身の目的(地球人を音楽の力によって正しく導くこと)を理解する演奏家達とビッグバンド形式の”サン・ラー・アーケストラ”(箱舟の”アーク”とオーケストラを掛け合わせたオリジナルの言葉)を結成。

その頃の音楽は、フレッチャー・ヘンダーソンやデューク・エリントンの影響を受けた正統なスウィング・ジャズに、当時人気だったR&B風の楽曲も絡めたものでありましたが、当初からステージで自身の深遠な宇宙哲学を語るサン・ラーは”キワモノ”と思われてました。

しかし「いや、彼は宇宙がどうとか言ってるけど、音楽はホンモノだぞ。クオリティ、ハンパなく高いぞ」と理解して支持するほんの少数のファンや演奏家仲間、音楽やクラブ業界関係者らの支えを受けて、シカゴではそこそこ順調に活動しておりましたが、シカゴ在住14年目の1961年、たまたまツアーで出かけたカナダのモントリオールで、何故か現地の学生達の間で大人気を博してしまい、そのままシカゴには帰らず、ニューヨークに拠点を移しました。

サン・ラーの突然の”引越し”に驚き困惑したメンバーの中にはシカゴに帰った人もおりましたが、信じて付いてきたメンバーと、ニューヨークでサン・ラーとアーケストラの演奏に惚れ込んだ”凄腕のサックス奏者”であるパット・パトリックが加入して、アーケストラの団結はますます強くなるのです。

そいでもって本日皆さんに、おぉ、これはぜひ紹介したいなぁと思ったのが、そんなニューヨーク移住第一弾に当たる記念すべきアルバム「フューチャリスティック・サウンド・オブ・サン・ラー」(1961年録音)です。50年以上前の音楽ですが、これは永遠に未来志向の音楽と言えるでしょう。



【パーソネル】
サン・ラー(p)
バーナード・マッキンニー(epn,tb,bells)
マーシャル・アレン(as,fl,bells)
ジョン・ギルモア(ts,b-cl,bells)
パット・パトリック(bs,bells)
ロニー・ボイキンス(b)
ウィリー・ジョーンズ(ds,perc)
リア・アナンダ(conga)
リッキー・マーフィー(Vo,E)

【収録曲】
1.Bassism
2.Of Sounds and Something Else
3.What's That?
4.Where is Tomorrow?
5.The Beginning
6.China Gates
7.New Day
8.Tapestry From An Asteroid
9.Jet Flight
10.Looking Outward
11.Space Jazz Reverie

前にもちょこっと書きましたが、キャリアが長い上に、ライヴ盤、タイトル違い、ジャケ違いなども含めてべらぼうに数のあるサン・ラーのアルバム、本腰を入れて聴くとなると、それなりの覚悟が必要ですが、大まかなサウンドの特徴として

1.初期(50年代〜60年代頭頃)

スウィングを根っ子に持ったストレート・アヘッドなジャズ・サウンドの中に光るユニークさ

2.フリー期(60年代〜70年代はじめ)

通常の4ビートの枠を超えて歌モノ増える。フリーキーな実験的色合いも濃くなってきている

3.フリー〜ファンキー期(70年代〜80年代)

ムーグシンセが大活躍、フリーキーでカオティックな中にどこかポップな味わいもあったりする

4.大団円期(80年代後半〜90年代)

時にフリークアウトした演奏も炸裂させながら、楽曲はジャズ・スタンダードのカヴァーなど徐々に聴き易くもなる。


な感じになりますが(あくまでザックリな分類です)、このアルバムは1の初期サウンド。

初期のサン・ラーって、実は真っ当過ぎるぐらい真っ当にスイングしてて、時代はビ・バップとかハードバップで、みんなオレがオレがでソロを競ってたのですが、サン・ラーの場合はどちらかというと、まずはバンド・サウンドをキッチリ作り上げてから、その上でメンバーの個性を自由に発揮させるという、実に理知的な演奏を聴かせてくれます。

で、そのバンド・サウンドってとっても楽しいんです。

キッチリとスウィングはしてるけど、そこに民族音楽的な"はずし"や"崩し"が独特の浮遊感を産み出していて、この時点でもう「他のどのバンドにもないポップさと未来感と奇妙な懐かしさ」がもわもわと湯気を立てています。鈴やパーカッションが終始シャカポコ鳴ってるのも雰囲気十分です。

このテの無国籍っぷりの代表曲といえばヴォーカル入りの「チャイナ・ゲート」で、サン・ラーは冷やかしじゃなく相当真面目に世界中の民族音楽を研究していて、実際この曲もちゃんとした中華チューンなんですが、間延びしたヴォーカルの効果もあってどこかユーモラスなんです。

で、各人のソロも光ります。

見事なのはジョン・ギルモア、マーシャル・アレン、パット・パトリックのサックス隊ですね。

特にAHJで聴けるジョン・ギルモアのテナー・サックスのソロ。

ギルモアはコルトレーンに影響を与えた程の超凄腕かつ感覚も非凡な新しさを持ったテナー吹きでありましたが、このアルバムでは無国籍スウィングをバックにしながら、コルトレーンとウェイン・ショーターを混ぜてそれらをかなり骨太に仕上げたような見事な"ぶっ飛び一歩手前"のソロ、これはぜひ聴いてください。

一見スイング・ジャズのスタイルを知的に再現してるように見えて、アレンジもソロも実はかなり斬新で鮮烈なアルバムです。







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2017年05月22日

ジミー・スコット ドリーム

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ジミー・スコット/ドリーム
(Sire/ワーナー・ミュージック)


突然ではありますが皆さん、歌ってのは結構なもんでございます。

はい、アタシにはちょっと特別な感情が湧いてくることがあって、それはいい歌を聴いたときに

「あぁ〜、これはいい歌だね」

と、しみじみ感動した時の、心の内側に浮いてくる、何だか悲しいような切ないような不思議な感情です。

特に悲しい歌、暗い歌を聴いている訳でもないのに、切々と心を打つ歌唱・・・。

こういった歌を聴くと、もうジャンルとかスタイルとか年代とかどうでもよくなってくるというのが正直なところ。

で、最近アタシの内側に、そういった”切々”を感じさせて止まない素晴らしい歌手が、ジミー・スコット。

90年代に「奇跡の声」と呼ばれ、テレビで話題になって、知っている人も多いと思います。

そう、男性に生まれながら、生まれつきのホルモンの病気が原因で変声期を迎えることが出来ず、そのまま女性のような声でずっと歌手活動をしてきた人。その優しく美しい歌声が、彼自身の苦労と偏見に苦しめられた人生の重みとシンクロして、聴く人に特別な感動をもたらし続けていた人であります。

ジミー・スコットは1925年に生まれてすぐに母親を亡くし、十人いた兄弟らと共に施設で育ちました。

ホルモンの病気による障害は少年時代からあちこちに出ていて、普通なら成長期を迎えて身長が伸びたり体力もそれなりに付くところを、彼の体力は十分に育まれず、慎重も150cmあるかないかでありました。

しかし、幼少の頃から音楽が、特に歌うことが大好きだったジミー少年は、早くから生きる道を音楽に見出し、音楽の世界へ飛び込んだのです。

最初は「世にも珍しい女性の声を持つ小さな男性シンガー」として、ある種見世物のような扱いでステージに上げられていたジミーでした。しかし、ニューヨークのクラブで唄っていたら、表で客引きをしていた売春婦達が、その愛らしくもどこか哀しい歌声に惹かれ、商売そっちのけでクラブに入ってジミーの唄を聴きにくるほどで、困った売春婦達のオーナーが、ジミーに請求書をよこしたという逸話も残っております。

で、ミュージシャンの中で、ジミーの特異な歌声の中にある非凡な才能に目を付けたのが、当時人気のバンドリーダーだったライオネル・ハンプトンです。

彼のバンドのヴォーカリストとして1948年に本格的なキャリアをスタートさせ、その風貌と少年(少女)のような声から”リトル・ジミー・スコット”というニックネームでステージに立つや人気者となった彼は、50年代にソロデビューのレコード契約をSavoyレーベルと交わします。

しかし、これがジミーにとっては不幸の始まりでした。

ジミーはバラードが好きで、自分のことを”ジャズ・バラード・シンガー”として知られて欲しいと願って活動しておりました。

ところがSavoyは彼のことを(当時シングル盤でヒットを出せば大当たりになる)R&Bのシンガーに仕立てようと画策。ステージでもそういった芸風で行くようにと命じます。

60年代にはレイ・チャールズが彼の声をとても気に入って、こっそりレコーディングをしてそれをラジオで紹介。一躍全米に彼の名前は知れ渡って二人の間で「じゃあジミー、君が望むようなジャズ・バラードのレコードを出そう」という話はほぼ決まりますが、ここでSavoyが「一生専属の歌手でいること」という契約を縦に発売を妨害。

つまり彼は、純粋に「素晴らしい歌を唄う歌手」として世に認められかけていたのに、やはりレコード会社やクラブを運営するいわゆる音楽業界の側は、彼を「カネの稼げる見世物」ぐらいにしか見ていませんでした。

ジミーは恐らくボロボロに傷付いたことでしょう。失意のまま音楽の世界を去り、中年を過ぎて音楽とは全く関係のない仕事を転々としていたといいます。

再び彼の運命が変わったのは、80年代以降、既に初老に差し掛かっていた頃に、ソングライターのドク・ポーマスや、R&Bの人気女性シンガー、ルース・ブラウンといった人達でした。

特にドクの方は「ジミー・スコットのレコードを出すのは音楽業界の使命だ!」と、公私に渡って支援をしながら、何とか彼のレコーディングが出来ないかと、あちこちのレコード会社に掛け合っておりました(サヴォイとの契約は、前オーナーが死去した時点で無効になっておりました)が、ドク・ポーマスは1991年にガンで死去。

悲しみに打ちひしがれたジミーではありましたが、自分の唄声を愛してくれたこの同い年のかけがえのない友は「オレの葬式で君は唄ってくれ」という遺言を残しており、彼は感謝と悲しみの全てを渾身のジャズ・スタンダード「Someone To Watch Over Me」を唄います。

これが参列者達に感動を与え、ジミーに再び世間が注目することになるのです。

ジミーのアルバムをリリースすることを真剣に考えていただけではなく、本気で長期契約によってしっかり売り出して行こうと考えていたサイモア・ステインというレーベルオーナーが、経営するサイ・レコードにジミーを招聘。










【パーソネル】
ジミー・スコット(vo)
ミルト・ジャクソン(vib)
レッド・ホロウェイ(ts,F)
ペイシャンス・ヒギンズ(ts,A)
ミッチェル・フルーム(org,D)
ジュニア・マンス(p)
リック・ザニガー(g,DF)
ロン・カーター(b)
ペイトン・クロスリー(ds)

【収録曲】
1.ドント・テイク・ユア・ラヴ・フロム・ミー
2.イット・シュドゥント・ハプン・トゥ・ア・ドリーム
3.アイ・クライド・フォー・ユー
4.ソー・ロング
5.ユー・ネヴァー・ミス・ザ・ウォーター
6.イッツ・ザ・トーク・オブ・ザ・タウン
7.アイム・スルー・ウィズ・ラヴ
8.ラーフィング・オン・ジ・アウトサイド
9.ドリーム

64歳になっていたジミーは、長い苦難の人生でようやく安住できる居場所と巡り合います。

サイ・レコードは彼の「ジャズ・バラードを唄いたいんだ」という願いを最高のレコーディング環境と、可能な限り一流のジャズ・ミュージシャン達をバックに集めて叶えます。

サイ・レコードからの2作目「ドリーム」は、ミルト・ジャクソン、ジュニア・マンス、ロン・カーターという大物達がジミーの繊細なヴォーカルを的確にサポート。

深みのあるヴェルヴェットな演奏の上に、更に静かにひしひしと染み渡るジミーの声、若い頃は少年と少女とが混在する、目一杯の悲しみを内に秘めて優しさで織り上げる、この声に何度アタシは天国を感じたことでしょう。どうしようもなく塞いだ気持ちが何度癒されたことでしょう。

ロック畑で有名なプロデューサーのマイケル・フルームと、ミックスを担当したチャド・ブレイクのコンビが作り出す、幻想的な音世界(独特の淡いエコーに、モノラルだけどヴォーカル真ん中、バックは楽器毎に左右からゆらっと響く配置)も、ジミーの声や情感の美しさを素晴らしく引き出していて、このアルバムはある種の中毒性すら帯びているんです。

ビリー・ホリデイやチェット・ベイカーの晩年の声に、抗し難い魅力を感じてしまうように、アタシはジミー・スコットの声にもまた、理屈や知識では割りきれないものを感じてしまいます。



"歌"って、本当にいいもんです。



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2017年05月18日

ブルースが濃い!ブッカー・アーヴィン1


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ツイッターを眺めていたら、音楽好きのフォロワーさんの「これいいんだよね♪」が、アタシにとっては「コレを聴きなさい」という神の啓示に等しく響く時というのがあります。

それは昨日のこと。

あるフォロワーさんがブッカー・アーヴィンの「ザ・ソング・ブック」のことをつぶやいているのを見た時に

「おぉ!コレは聴かねば!」

と電流が走りまして、その夜家で「ひとりアーヴィン祭」をしとったとです。

何でブッカー・アーヴィンがそんなに特別なのかというと、それは元々ブルースが好きなアタシにとって、ブッカー・アーヴィンというテナー吹きが

「ブルース好きな人が聴けてたのしめるジャズ」

の条件にドンピシャだったからに他ありません。

アメリカ南部テキサス出身のアーヴィンは、ニューヨークに出てチャールス・ミンガスのバンドで本格的なジャズマンとしてのキャリアをスタートさせた訳なのですが、その根っこにズ太くある南部直送のブルース魂が煮えたぎる感じと、フリージャズの3歩ぐらい手前なフレーズの斬新さがごちゃまぜになったような独特の味わいがたまんないんです。

詳しくはおいおい書いていきましょう。

昨日は朝から2枚目の写真の「ラメント・フォー・ブッカー」を聴いてました。

これがライヴ盤なんですが、のっけから27分超えの大ブルース・ブローイング大会で鼻血モノなんですよ♪





(↓リンク先の商品はレコード盤です)
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2017年05月08日

チャーリー・クリスチャン オリジナル・ギター・ヒーロー

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チャーリー・クリスチャン/オリジナル・ギター・ヒーロー
(ソニー・ミュージック)

突然ですが皆さん、ジャズのギターって凄く難しいんですよ。

いや、そんなことはお前に言われなくてもわかっとる、ジャズに限らずギターは難しいんじゃい、ナメんなニワカが。という意見は重々承知しておりますが、例えばアタシのようにロックやブルースでギターに親しんだ人間にとっては、独特のコードやら、タダでさえ面倒臭い(失礼)ギター・ソロを、アドリブでしかもテクニナルに弾かなきゃならないジャズギターは、もう何度チャレンジしても「うむむ、よくわからんぞ」というものでありました。

ジャズの歴史を紐解くと、ジャズのギターが難しいのはそりゃそうで、例えばその初期の頃にソロ楽器だったトランペットやサックス、クラリネット等の楽器がスイスイと奏でるフレーズを、ギターの指板でもって再現するというのがそもそもの始まりだったようで、そのテクニック的にはもの凄い高度な熟練が必要な管楽器のソロ・フレーズを、ひたすら右手のピッキングと左手のフィンガリングでフォローしようというのは、コレ最初から難易度がものすごく高いんですね。

大体管楽器というのは単音に特化しておりますから、和音が吹けない代わりに、指運なんかはちょいと集中的にスケール練習をすれば、初歩的な早吹きは出来てしまいます。

それに比べてギターは元々が和音楽器、つまり左手は決まった形を抑えて右手はジャカジャカやればそれで一応の伴奏が出来る訳ですから、最初はそんな頑張ってソロを弾く必要はなかったんです。

それに、ジャズの世界でギターがソロ楽器としてスタートしなかった決定的な理由がもうひとつ、それは音量の問題です。

戦前のアメリカのジャズはビッグバンドが主流。しかも、ギターアンプが現場に出てきたのが1930年代も後半になってようやくですので、それまでは本格的なビッグバンドに在籍しているギタリスト達は、生音でひたすらちゃっちゃかちゃっちゃかとリズムを刻んでいるだけの存在であったんです。

で、1930年代後半に「エレキギター」という革命的な、ギタリストにとっは新型兵器とでも言っていい道具が登場します。

アンプにコードを差し込んで、ボリュームを上げればそれだけで管楽器に負けないぐらいのデカい音が出せるという訳ですから、これはもう世のギタリスト達にとっては魔法の道具でした。

そんなエレキギターを使いこなし、ジャズ・ギターの世界にて本格的な「ソロ楽器」としての演奏法を生み出し、今に至るまでのジャズ・ギターの歴史の根幹を築いたのが、本日ご紹介するチャーリー・クリスチャンでございます。

1916年生まれのチャーリー・クリスチャン、ジャズの世界でエレクトリック・ギターを最初に極めたレジェンドでありますが、ほぼ同じ年代で、1911年生まれのT・ボーン・ウォーカー(ブルース)、レス・ポール(カントリー)という、それぞれのジャンルでのエレキギターのパイオニアがおるということは、頭の片隅に入れといてもらいやしょう。この二人は実際に非常に重要な絡みがありますので。。。

で、クリスチャンはアメリカ南部のテキサスで生まれ、盲目のブルースマンだった父親の影響で、兄弟達と共に楽器を始めた彼は、まずトランペットを極め、そして十代の頃にギター、ピアノ、ベース、ヴォーカル、更には何とタップダンスや野球に至るまで、その非凡な才能を発揮しまくって、生活していたオクラホマ近辺だけでなく、南部一帯に「凄いギターを弾く小僧がいる」と噂になり、共演したテディ・ウィルソンやメリー・ルー・ウィリアムスといった先輩格のミュージシャン達も「彼のギターは本当に素晴らしい」と、口にするようになりました(2人共30年代を代表する凄腕のピアニストです)。

この頃のクリスチャンは、恐らく17とか19とか、そんな年齢だったでしょうが、単なるコード弾きだけでそんなに人を感動させるということはありえないことなので、少人数のセッションの時は「オレにもソロ弾かせてくれよ」と申し出て、当時絶大な人気のあったロニー・ジョンソンのスタイルで、華麗なアコースティック単音ソロを弾いていたのだと思われます。

で、この頃に同じステージでタップダンスのコンビを組んでいたのが、後に「モダン・ブルース・ギターの父」と呼ばれるT・ボーン・ウォーカー。

本業がギタリスト、しかも後にそれぞれのジャンルでエレキギターの草分けとなる者同士の2人が、副業のタップダンスで同じステージに立つなんて、何だか面白い話ですが、実際にあった話なんだそうです。

この時楽屋で2人はギターについて語ったかも知れません。もしかしたら楽屋にあったギターを弾き合って互いのプレイを讃えあったのかも知れません。もしくは共通のヒーローだったブラインド・レモン・ジェファソンの話にも花を咲かせたのかも知れませんね。

おっと、話が脇道に逸れました。

ギターで評判になり、”仕事”としてはマルチにどんな楽器でもこなせたクリスチャンに、決定的な転機が訪れたのは1939年、彼が23歳の時です。

相変わらずオクラホマを拠点に、ローカルバンドで活動していたクリスチャンの評判を聞いて、敏腕音楽プロデューサーのジョン・ハモンドという人が、彼をある目的でスカウトしようとやってきました。

この人はビリー・ホリディ、ロバート・ジョンソンを見出し・・・と言っても凄さはあんま伝わらんと思いますが、後にアレサ・フランクリン、ボブ・ディラン、ブルース・スプリングスティーンを世に送り出したといえば、少しは凄い人だと思ってもらえるでしょうか、とにかくその凄いスカウトマンが”ハタチそこらの凄いギタリスト”として評判だったチャーリー・クリスチャンの演奏をはるばるオクラホマまで聴きに来て、彼が当時まだ珍しかったエレキギターを使って繰り出す斬新で刺激的なギター・フレーズに一発で衝撃を受け「はい、OK」と、演奏が終わったチャーリーに

「君、今からロサンゼルスに行ってこの男のオーディションを受けなさい」

と、メモを渡しました。

そこには何と、当時”キング・オブ・スウィング”と言われて人気絶頂だったクラリネット奏者でバンドリーダー、ベニー・グッドマンの名前と会場の場所が書かれておりました。

実はジョン・ハモンドは、ベニー・グッドマンのアドバイザーでもあった訳です。

クリスチャンはロスに飛ぶ訳ですが、実はベニー・グッドマンは、その前にハモンドが連れてきたギタリストの採用に全く乗らず、あっさり蹴っております。クリスチャンなんか当時都会では全く無名のタダの黒人の若者に過ぎない訳ですから、当然大スターのベニー・グッドマンは興味なんか持ちません。

そのままクリスチャンだけを行かせても

「僕、オーディション受けに来たんです!」

「あ、そ。出口はあっちだ」

となるのは目に見えていたので、ハモンドはあれやこれや工作して、何とコンサートの真っ最中に台所から飛び入りするようにクリスチャンに指示を出します。

いきなりそんなことを言われて「え、でも楽器ないし・・・」と焦るクリスチャンに協力して

「面白そうな話じゃねぇか、なんならオレのギター貸すぜぇ。あ、コイツエレキギターってんだ、弾き方分かるかい?」

と、助け舟を出したのが、当時カントリーの世界で初めてエレキギターでブイブイのソロを弾いていたレス・ポールだったと云われています。

そんなこんなでベニー・グッドマンのステージに潜入したクリスチャン、食事に行っていた大スターが戻って来ましたら、何だか知らないヤツがステージの上でギターを持っている。何だ、年端も行かないガキじゃないか、どうせ目立ちたがりの田舎者だろうて、ひとつソロでも無茶ぶりして恥をかかして追い出してやれ、と、いきなり十八番の「ローズ・ルーム」をおっぱじめます。

関係者がヒヤヒヤと見守り、聴衆は優雅に食事を楽しみながら、恥知らずな若者がステージで失態を演じるのを期待しながら冷ややかな目で観ておりました。

やがて「ローズ・ルーム」、グッドマンのいかにも洗練を極めた優雅なソロが、微かな余韻を芳香と残して終わり、クリスチャンのギター・ソロへと順番が回って来ます。

それを受けたクリスチャンは、何ということか御大の吹くクラリネットと比べても全く遜色のない、美しく気品と機知に溢れた見事なソロを、それまでほとんどの人が聴いたことのないエレキギターという新しい楽器の新鮮な音色で、予定の枠を超えてとめどなく弾き続けている。

聴衆は食事の手を休めてその音に聴き入り、惜しみない拍手喝采を送ります。

本気になったグッドマンは、クリスチャンのソロの合間にまた見事なクラリネットで応報、更に自分のソロの後半になると、クリスチャンに「おい、続けろ」と目で合図を送るのです。

かくして3分の予定が何と45分になった「ローズ・ルーム」は伝説の名演と呼ばれ、クリスチャンの名もアメリカ全土に知れ渡り、当然この23歳の若きギタリストは、たった一度のプレイでベニー・グッドマンの心を射止め、晴れてバンドのレギュラー・メンバーの座を獲得するのでありました。

その一ヵ月後にはグッドマン・セクステットの一員として憧れの大都会、ニューヨークの住人となったクリスチャンは、一流の証、カーネギー・ホールのステージでも演奏し、更にミントンズ・ハウスでもって同年代のディジー・ガレスピー、セロニアス・モンクらと共に夜な夜なセッションを繰り広げ、後にビ・バップと呼ばれるモダン・ジャズの誕生にも関わることになりますが、1942年、25歳の春の日に肺結核によってあっけなくその生涯を終えております。


(ギター・レジェンド・シリーズ)

【パーソネル】
ベニー・グッドマン(cl)
フレッチャー・ヘンダーソン(p)
ライオネル・ハンプトン(vib)
チャーリー・クリスチャン(g)
アーティ・バーンスタイン (b)
ニック・ファトゥール(ds)

【収録曲】
1.セヴン・カム・イレヴン
2.ホーリー・キャッツ
3.グッド・イナフ・トゥ・キープ
4.フライング・ホーム
5.ボーイ・ミーツ・ゴーイ(グランド・スラム)
6.ベニーズ・ビューグル
7.ゴーン・ウィズ・ホワット・ウィンド
8.ブレックファースト・フュード
9.アズ・ロング・アズ・アイ・リヴ
10.ロイヤル・ガーデン・ブルース
11.ローズ・ルーム
12.シックス・アピール(マイ・ダディ・ロックス・ミー)
13.ティル・トム・スペシャル
14.アイ・ファウンド・ア・ニュー・ベイビー
15.ウェイティン・フォー・ベニー(ア・スムース・ワン)
16.ブルース・イン・B
17.ソロ・フライト


「もしも長生きしていたら」

ということが、天才らしく盛んに言われる人ではありますが、その演奏において彼は「ジャズ・ギターで出来るカッコイイことの基本」は、恐らく全てやり尽くしてしまったと言えます。

現にケニー・バレル、タル・ファーロウ、グラント・グリーン、ジョー・パス、ウェス・モンゴメリーからジョージ・ベンソン、ジョン・スコフィールド、パット・メセニー、アラン・ホールズワースに至るまで、およそ「ジャズ・ギタリスト」と名乗る全ての人の演奏には、クリスチャンからの絶対的な影響が、その話し言葉に近いフィーリング豊かなピッキング/フィンガリングから流れてくるのです。

で、若くして亡くなったチャーリー・クリスチャンには「ソロ・アルバム」というのがありません。

ええぇ!?何で?今クリスチャンのアルバムを紹介しておいてそれ!?

と、お思いの方、多いと思います。

はい、実はこのアルバム「オリジナル・ギター・ヒーロー」も含め、彼が生前に残したアルバムは全て(ミントンハウスのチャーリー・クリスチャンは、公式なレコーディングでもないし特定のリーダーを置かないセッション・アルバムでございますから・・・)ベニー・グッドマン・セクステットにおけるサイドマンとしての参加作なのです。

1938年から亡くなる前年の1941年まで、このバンドでクリスチャンが残した楽曲は全部で98テイク。これを多いと見るか少ないと見るかは置いといて、とにかくコレが”ジャズ・ギターのパイオニア””エレキギターの革新者”チャーリー・クリスチャンの全てなんです。

メンバーを見てください。ベニー・グッドマンにライオネル・ハンプトン、フレッチャー・ヘンダーソンと、それぞれがビッグバンドを率いて、しかも絶大な人気を誇った大物中の大物がフロントに顔を揃えている中で、20代半ばの若きギタリストの音の何と力強く、気品と貫禄に溢れていることか。

ぶっちゃけ「どうせサイドマンなんだろ」と、最初はアタシも思っておりましたが何が何が、小編成ながらその一音一音に、30年代スウィング・ジャズの”粋”の全てを凝縮したようなバンド・サウンドの中で、やっぱりソロになると空気が一気に輝きだすそのメロディアスなギターの神髄を、未聴の人はぜひ聴いてちょうだいなと。

「天才」「革命家」と、アタシゃ散々言ってきましたが、実はクリスチャンのプレイはノリや勢いや大胆さだけで衝撃を与えるものじゃあない。むしろそういう「消費される刺激」の地平からは一番遠いところにある、いつまでも上質な光沢が色あせないものなんだなぁと、今丁度「ローズ・ルーム」を聴きながらほんわり考えています。





『音のソムリエ 高良俊礼の音楽コラム』

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2017年03月20日

キース・ジャレット 生と死の幻想

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「綺麗」と「美しい」の違いとは何か?

尋ねられるとつぶさには答えられないので、じっくりと考えてみました。

すると思うに「綺麗」というのは、主に視覚や聴覚に鮮やかに飛び込んでくる、その瞬間的な何かのことで「美しい」というのは、視覚や聴覚にありのまま飛び込んできた情報に止まらず、それによって何かしらの想像の力が働く、端的に言えばそこからストーリーが導き出されるものの事全般を指すのではないかと思います。

いやもっとシンプルに「美しい」というものは「綺麗では収まらない恍惚や陶酔を孕んだもの」ではないでしょうか。

例えばキース・ジャレット。

この人のピアノは「綺麗」の最たるものです。

ピンと背筋が伸びるような、濁りのないタッチ、繰り出すフレーズの端正さと透明度は、これがジャズであることを忘れさせてしまう、つまり恍惚と陶酔でもって「これは何」という根幹の部分にある心の壁を溶かしてしまうぐらいのものを持っている。

でも、ここまでなら単なる「綺麗」です。

キース・ジャレットの音楽は、そこから更に聴く人の心の深淵に、スッと入ってきて、色々と狂おしく掻き乱します。つまり美しい。

矛盾するかも知れませんが、何故彼の表現が美しいのか?それは「完璧じゃないから」だと思うんです。

綺麗なメロディーを弾いてるけれど、ギリギリのところで甘美に流れる事を断固拒否してるかのような、厳しい音の選び方や、演奏中の「イー、イー」という妙な唸り声。

正直これがなければキースは完璧。

と、思う要素は結構あるんですが、それらがなかったらキース・ジャレットというピアニスト、恐らく記憶にすら残らない存在で終わったことでしょう。

キースの言葉です。

私達はもっと花のように努めるべきである。
彼らにとっては毎日が生の体験であり、死の体験でもあるから。

−キース・ジャレット.



どうでしょう?花について語るとき、ほとんどの人はその美しさ、眩しいほどの生命の咲き誇る様を無条件で讃えがちですが、彼は慎重に言葉を選びながら

「花というのは生でもあるが死でもあるよ」

と言ってます。





【パーソネル】
キース・ジャレット(p,ss,fl,perc)
デューイ・レッドマン(ts,perc,@B)
チャーリー・ヘイデン(b)
ポール・モチアン(ds,@B)
ギレルミ・フランコ(perc,@B)

【収録曲】
1.生と死の幻想
2.祈り
3.グレイト・バード


この言葉が記されたライナノーツが入っているのは、アルバム「生と死の幻想」。

最初に知った時は、何だか70年代のハードロックのアルバムジャケットにしか見えず、もっと具体的には

「どこのシン・リジィだよ」

としか思えず、中身がまるで想像できなかったので、気にはなるけど(大好きなlmpulse!レーベルのだし)、聴くのは大分遅くなってしまっていたアルバムです。

キースといえば、今も籍を置いているドイツのECMレーベルでの、とにかく美しいピアノ・トリオやソロ・ピアノ、それかヨーロッパのミュージシャン達と、洗練と透明を極めた"ヨーロピアン・カルテット"だよな〜と思っていた所に、インパルスという、キースのイメージとはちょっと合わない、フリージャズやカルトでモンドなポップスに寄った個性派や、或いは30年代40年代に活躍したスウィング・ジャズの往年の名手達による渋くて硬派なイメージのレーベルから出された、しかもクレジットを見ると、ビル・エヴァンスと組んでいたポール・モチアンは分かるけど、デューイ・レッドマンやチャーリー・ヘイデンという、フリーの親玉オーネット・コールマン系のコワモテな方々。

うん、どんな音かますます想像できません。

購入までどれくらいかかったか、とにかく長い時間かかりましたが、ようやく聴いた時は、トリオやソロ・ピアノやヨーロピアン・カルテットとはまるで違うサウンドながら

「あ、美しい・・・」

と、絶句しました。

フルート(キースが吹いてる)とパーカッションが、どこか奥アジア辺りの民族音楽を思わせつつ、やはり端正さと切なく儚い美旋律を炸裂させるピアノが出て来てから、聴く人をためらいなく恍惚と陶酔の世界へ誘うタイトル曲「生と死の幻想」から、チャーリー・ヘイデンの生き物のように艶かしいベースとピアノの深い対話の「祈り」再び民族音楽調のパーカッションとサックスが炸裂する中、その土臭さに激しく対抗するかのようなメロディアスなピアノでぶつかってゆく「グレイト・バード」まで、音楽を聴きつつも、古代遺跡に刻まれた一大叙情詩の世界を浴びているような特別な感覚・・・。

これを「美しい」と言わずして何と言いましょう。

ライナーによると、この時期のキースは思うところあって、ジャズの表現からはどんどん逸脱して行きたかったんだとあります。その逸脱を音にしたものがこのインパルスの、アメリカン・カルテットの演奏であるよと。

確かに「ジャズ」を逸脱して、何というか上の次元の美しさをモノにしたような音楽であります。この底無しの幻想美にいつまでも酔いましょう。



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『音のソムリエ 高良俊礼の音楽コラム』

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posted by サウンズパル at 21:53| Comment(0) | TrackBack(0) | ジャズ | このブログの読者になる | 更新情報をチェックする