ディープなコラム こちらにも書いてます♪

2017年06月22日

アタウアルパ・ユパンキ 1936-1950

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アタウアルパ・ユパンキ/1936-1950 En Sus Primeros Anos
(Take off)

先週からタンゴについて考えたり感動したりしております。

その絡みで「アルゼンチンの音楽」を集中的に聴く時間を設けておりますが、アルェンチンといえばタンゴともうひとつ、忘れてはならない音楽としてフォルクローレでありますね。

フォルクローレというのは、読んで字の如く、英語の”フォーク(Folk)”と同じで、この言葉は「民謡」を意味しておりまして、ザックリといえばフォルクローレというのはアルゼンチンに限らず、ペルーとかチリとかメキシコとか、中南米の広い範囲で古くから歌われてきた先住民のインディオ達の民謡や、それらを元にした音楽のことでございます。

はい、南米という地域は、元々住んでいた先住民と、途中からスペインやポルトガルから入植してきた白人、そして彼らが奴隷として連れてきたアフリカ系住民。この3つの民族の系統の文化が複雑に入り乱れて、それぞれの民族の文化風習を色濃く残す音楽が次々と生まれてきたという歴史があります。

そういうことを少しでも頭に入れて中南米の音楽を聴けば、たとえばブラジルのボサ・ノヴァやサンバ、キューバ音楽とかも「なるほどそういうことか!」と理解が深まってなかなか楽しめたりしますが、今日はとりあえず南米を代表する民族音楽のフォルクローレですね、そちらをご紹介しましょう。

アルゼンチンには、タンゴの神様としてカルロス・ガルデル、その革命家としてアストル・ピアソラという世界的な巨人がおりますが、実はフォルクローレの神様と呼ばれる人も出ておりまして、その人がアタウアルパ・ユパンキという人です。

深みのある優しい声で、アンデスの大自然、人々の暮らし、それにまつわる悲喜こもごもを、何とも切なく時に軽妙な語り口のギターを爪弾きながら唄うその表現は、何と言うか”うたの根源”を、自然と心に印象付ける、詩的な叙情に溢れたものであります。

「フォルクローレ」といえば小学校の頃学校で習った「コンドルは飛んでゆく」あのどこか遠くへ連れ去られそうな切ないメロディーをアタシは覚えてて、で、大人になって上京してからは、インディオの民族衣装を着て木製の笛や太鼓などを4,5人で演奏するストリート・ミュージシャンの人らがよく駅前にいたりして「あぁ、こんな感じなんだろうな」と、何となくしか意識していなかったのではありますが、ある日アルゼンチン出身のジャズマン、ガトー・バルビエリが「トゥクマンの月」という、何とも切ない曲をエモーショナルにサックスで吹いてカヴァーしているのを聴いて、胸を打ち抜かれたんですね。

「この切ないメロディーは一体何だ!?」

と。

すっかりこの曲に心を鷲づかみにされて、これはてっきりガトーのオリジナル曲だろうと思っていたら、いや、これはユパンキという人の曲なんだと知って、あちこち探すまでもなくその曲が入ってるベスト・アルバムを買ったら、ガトーの激しく切ないジャズ・ヴァージョンと違って、歌とギターで優しく語りかけながら物語を紡いでゆくようなユパンキのヴァージョンに、全く別種の衝撃を受けたわけです。

元々先住民の家(母親はスペインのバスク系移民)で育ちながら、古い民謡を弾き語ることが好きだったユパンキは、アルゼンチン全土を放浪しながら唄い歩くことを若い頃に思い立ち、その放浪の旅の中でインディオのリアルな生活、その中に息付く古謡の数々をレパートリーとして体に染み込ませていった彼の歌とギターには、ブルースマン達のブルース・フィーリングに近い独特の奥深さが乗っていて、その優しく哀しげな声や音の精妙な”震え”が、インパクトをすり抜けて人の心の根っこの部分にそっと触れる度に、アタシは今でも切ないような懐かしいような、そんな特別な感情で穏やかに満たされた気持ちになります。



【収録曲】
1.インディオの道
2.マングルジャンド
3.夜が明けそめる
4.風よ、風よ
5.石と道
6.オニナベナの花
7.さすらい人
8.牛追い
9.広野
10.わたしは鉱夫
11.年経たサンバ
12.ポルテスエロの想いで
13.貧しいサンバ
14.パンピーノの歌
15.ビダーラ
16.インディオの牧歌
17.バグアーラ
18.マランボ
19.おやすみネグリート
20.熟れたトウモロコシの踊り(ウアフラ)


さて、フォルクローレの神様としては実は日本でも熱狂的な人気があったユパンキ、国内盤のベストも色々出てますが、今回のオススメは、素直にアタシが実際聴いて「これは本当に素晴らしい!!」と感動しまくった、初期音源集です。

1936年に28歳でデビューしたユパンキの、声とギターによる純粋な弾き語りを中心とした、フォルクローレの”うた”の部分の真髄がギュッと詰まった一枚です。

アンデスの人や風景、月の光、太陽の陽射し、冬の厳しさ、春の穏やかさ、果てしない山道をひたすら歩く馬車、牧場に木霊する牛追いの歌・・・そんな大自然と一体化した生活のあれこれが詩的に、もちろんスペイン語が分からなくても声と音を聴けば脳裏に広がる。美しい、本当に美しい。

ユパンキのフォルクローレは本当に、人間の根本にある大事な何かを思い出させてくれる音楽であります。



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2016年07月05日

ブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブ

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V.A/Buena Vista Social Club
(Nonesuch)


焼けるようなカンカンな日差しの中、車をかっ飛ばしながら聴くとすこぶる気分がアガるのが灼熱のラテン・ミュージック。

特にキューバはよろしいですね〜♪ メロディー自体はマイナースケールで、どちらかというと哀愁漂う感じなのに、コンガやボンゴ、その他諸々のパーカッション打ち出すコテコテの横ノリグルーヴが、何だか底抜けに陽気で、しみったれたことを考える余地をイイ具合に与えません。

特に「くー、たまらんなぁこれ」 「カッコイイべ、もうゴッキゲン♪」と、アタシのやや夏バテ気味の気持ちを元気にして余りあるのが、これはもう”キューバ音楽の代表的名盤中の名盤”「ブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブ」です。

1997年にリリースされたこのアルバムは、当時ワールド・ミュージックとしては異例の大ヒットとなりました。

メジャー・レーベルであるノンサッチがワーナーと組んでリリースして、それなりに宣伝もしたというのもありますし、世界中のルーツ音楽を心から愛する男、いや”漢”であるライ・クーダー師匠がプロデュースしてるというロック・サイドに対するデカいアプローチもあったでしょうが、それ以上に、このアルバムに参加しているキューバの大ベテラン・ミュージシャン達が、本気の色気をむせんばかりに放出したそのセクシーな音楽のカッコ良さが、当時世界中の”ホンモノ”を求める人達の心と激しく感応し、

「ライ・クーダーが参加してるキューバのアレ、いいよね」

「おぉ、俺もすげーなって思った。ラテンやばいね!」

と口コミが口コミを呼ぶ形で、日本でも気合いの入った音楽好きの心に届いたんだと思います。





【収録曲(メイン・ミュージシャン)】
1.Chan Chan(エリアデス・オチョア)
2.De Camino a La Vereda(イブライム・フェレール)
3.El Cuarto De Tula(ライ・クーダー)
4.Pueblo Nuevo(ルーベン・ゴンザレス)
5.Dos Gardenias(イブライム・フェレール)
6.¿Y Tú Qué Has Hecho?(コンパイ・セグンド)
7.Veinte Anos(オマーラ・ポルトゥオンド)
8.El Carretero(エリアデス・オチョア)
9.Candela(イブライム・フェレール)
10.Amor De Loca Juventud(コンパイ・セグンド)
11.Orgullecida(コンパイ・セグンド)
12.Murmullo(イブライム・フェレール)
13.Buena Vista Social Club(ライ・クーダー)
14.La Bayamesa(マニュエル・リセア)

ここでその素晴らしい声や楽器演奏を披露してくれているキューバのミュージシャン達は、この時点で既に80歳越えの、スーパーじいちゃん達なんです(紅一点のオマーラ・ポルトゥオンドですら67歳!)。

で、彼らはキューバの首都ハバナにある会員制クラブ「ブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブ」の常連ミュージシャンで、すなわち「現役バリバリのライヴ・アーティスト」なんですが、このブエナ・ビスタというクラブがまたいいんですよ。

”会員制クラブ”って言うと、何だか金持ちのセレブ限定みたいなイメージがあるんですが、ブエナ・ビスタの入会条件は

「礼儀正しいこと」

「道徳心において優れていること」

の2点のみ。

南国キューバらしいこのおおらかさ(!)

実際にブエナ・ビスタの会員の人たちは、別に金持ちでもない、どっちかというと貧しい人も多く、でも、週末になると彼らの音楽を聴いて楽しく踊るためにとびっきりのオシャレをしてウキウキで集まるんだそうです。

その様子は、2000年に公開されてアカデミー賞にもノミネートした映画「ブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブ」で素晴らしく描かれてますが、70、80のじーちゃん達がスーツにハットでキメて、葉巻吹かして笑顔で踊ってて、で、やっぱり”モテること”とか考えてるんですよ。

もーカッコイイ!これぞブルースです、うんうん。

このアルバムはもちろんスタジオ録音なんですが、どこまでもおおらかにそして窮屈さを一切感じさせないゴキゲンな演奏が、何というかとてつもなくライヴ感を醸し出しております。

いやしかし、どの人のプレイも色気色気、色気ありますな〜♪ 

こういうジジイに早くなりたい!




(最近の”ブエナ・ビスタ・ソシアル・クラブ”のアツい雰囲気♪)



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2016年06月17日

ノエル・ローザ ヴィラの詩人

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ノエル・ローザ/ヴィラの詩人
(ライス・レコード)

ショーロの巨人、ピシンギーニャを紹介したら、やっぱりこの人を紹介しないわけにはいかんでしょう。

黎明期サンバの大物にして、ブラジル音楽におけるシンガーソングライターの先駆け、ノエル・ローザ(正確には”ノエル・ホーザ”ですが、ここではCDの表記に従います)。

1910年生まれ、20代にして既に200曲以上のレパートリーを持ち、戦前のブラジル大衆音楽は、正に彼の色に染められておったと言っていいでしょう。

1937年に、病のために26歳の短い生涯を閉じた彼でありますが、その楽曲は若き日のジョアン・ジルベルト、アントニオ・カルロス・ジョビンといった後にボサ・ノヴァを生み出すことになるアーティスト達に多大な影響を与えました。

ブラジル音楽の第一線を生きてきたアーティスト達は口々に言います。

「ノエール・ローザがいなくても、サンバはサンバとして歌われていただろうが、それは恐らく今のサンバよりももっと陳腐で薄っぺらいものになっていたであろう」

と。

サンバは元々ブラジルにやってきたアフリカ系移民の音楽をルーツに持つ音楽でした。

今、ほとんどの人が”サンバ”といえば思い浮かぶ、あのリオのカーニヴァルのサンバのように、その構造は実にシンプルで力強いリズムと、覚えやすい(つまり歌にするとメイン・ヴォーカルに対してコーラスを付けやすい)メロディが主軸でした。

サンバの歴史は古く、17世紀にはその大まかなスタイルが固まっていたとも言います。

やがて18世紀、19世紀になってきて、サンバという音楽が元々の土着の「手を叩き、足を踏み鳴らし」というスタイルを軸に、メロディのある歌が付き、それを伴奏する楽器(主にギターなどの弦楽器)を従えるようになると、これが街で独自の進化を遂げていわゆる流行歌みたいになります。

20世紀になると、逞しくもどこか哀切を漂わすサンバの調べは、アフリカ系の人々のみならず、ポルトガル系の白人達をも魅了するようになります。

そんなこんなで1920年代、南米はまだまだ差別などがあったものの、奴隷解放後のアフリカ系/ヨーロッパ系の人々は、世界的な大恐慌の嵐が吹き荒れる中、貧困の中で互いに接近し、労働の場や酒場などで比較的すんなり苦楽を共にするようになります。

ノエル・ローザは、そんな世相の中、膨大な自作曲とどこかアンニュイで物憂げな声をひっさげて、街の酒場で唄うようになります。

「白人初のサンビスタ(サンバを唄う人)」

として、彼はたちまち有名になりましたが、そんなことよりも何よりも、彼のポップで覚えやすい楽曲を作る才能、恋や日常の他愛のないことをつぶやくように唄いつつも、その歌詞の根底には人間が抱える悲喜こもごもの真に迫る哲学のような概念、そしてさり気なく鋭い社会批評も短い歌詞の中にまとめ上げる詩人としての才能、さほど力強く訴えている訳でもないのに、一度耳にしたら不思議とずっと離れない天性の声の魅力と、才能を3拍子も4拍子も揃えたその圧倒的な存在感に、全ブラジルの全ての人種の老若男女があっという間に熱狂しました。




【収録曲】
1.天国のフェスタ
2.何を着てゆくの?
3.臆病なマランドロ
4.愛すべきドモリ
5.拝啓
6.遊び好きなムラータ
7.時間のせいで
8.けっしてそうじゃない
9.女の嘘
10.ぼくたちの物
11.不快な女
12.誰がもっと払う?
13.心臓
14.踊らない人は
15.ジャシントさん
16.言い回しを思いついた
17.正直さはどこに?
18.夜明けを眺めて
19.実証主義
20.居酒屋の会話
21.ジョアン・ニンゲーン
22.十万レイス
23.スカートの飾り
24.さんざん試したよ
25.行きたければ行きなよ
26.笑顔が最高



ちょっと上の楽曲を聴いていただければ分かると思うんですが、彼の作風は非常に軽やかで洗練があり、実にブラジルらしい(このスタイルが後のボサ・ノヴァになってゆくことが容易に想像できる)のですが、アレンジは当時最先端だったジャズのエッセンスをふんだんに取り込み、一枚も二枚も上の”上質”を感じさせます。

日本の良心レーベル「ライス・レコード」からリリースされたこのベスト・アルバムは、後に色んな人がカヴァーすることになる楽曲を中心に、じっくり聴けばどこまでもその深みにハマること請け合いのオススメの一枚です。

「ボサ・ノヴァは知ってるけどブラジル音楽にはそんなに興味ない」という人にこそ、コレと先日ご紹介したピシンギーニャのアルバムは聴いていただきたいです。世界が豊かに広がりますよ〜♪





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2016年06月12日

ピシンギーニャ ブラジル音楽の父

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ピシンギーニャ/ブラジル音楽の父
(ライス・レコード)

今日ご紹介するのは、ブラジル音楽の、これはもう源流におる巨人と言っていいでしょう。”ショーロの神様”ピシンギーニャのアルバム「ブラジル音楽の父」でございます。

はい、タイトルの通りピシンギーニャという人は、今現在のボサ・ノヴァやサンバを辿ってゆきますと必ずその名前に突き当たる人であり、戦前に現在にまで通じるブラジルポピュラー音楽の基礎を作った人であり、作曲家/アレンジャーとしてもフルートとサックスの演奏家としても大きな足跡を残した人でありまして、最近になってまたブラジル音楽界隈では「ピシンギーニャの曲を演奏すること」が、とてもオシャレでカッコイイという風な素晴らしい盛り上がり方をしているんです。

さて、ブラジル音楽の源流には「ショーロ」という音楽があります。

これはポルトガル語で「泣く」という意味を持つ言葉なのですが、文字通り旋律の中にたっぷりの哀愁を滲ませている音楽で、これは主にポルトガルから移民してきたヨーロッパ系の人達が好んで演奏していたものが、大体19世紀頃にそう呼ばれるようになったといわれております。

編成の基本はフルートとギター、そしてカバキーニョと呼ばれるウクレレと似た弦楽器なんですが、楽曲のバリエーションがどんどん増えるに従って、ピアノやサックス、アコーディオンなど、一般的に知られる楽器もどんどん加わり、また、楽曲もノリが良いものやコミカルなものなども増え、ブラジルではほとんど同時代のジャズと同じように、大衆に愛される音楽となっていきました。

ちなみに、ショーロは即興演奏というものを非常に大切にする音楽で、演奏の中にアドリブを使ったということにおいては、実はジャズよりも先であります。

ピシンギーニャは、丁度そんなショーロがラジオやレコードといった新しいメディアに乗って更に多くの人々の耳に届くようになった時代、具体的に言えば1920年代から30年代に大活躍した人であります。

10代の頃既に優れたサックス/フルート奏者として(演奏力だけでなく、そのメロディアスな即興演奏のセンスが何よりズバ抜けていた)ショーロの世界に新風を吹き込んでいたピシンギーニャは、バンド・リーダーとなってからは、より高度なオーケストラ・アレンジで楽器同士を豊かに響き合わせ、更に楽曲の奥深さをより聴く人にダイレクトに伝えるオーケストレーションを大成させました。




【収録曲】
1.焼肉
2.バラ
3.オス・オイト・バトゥータス
4.ウルブー・マランドロ
5.辛抱しなよ、フルジェンシオさん
6.彼をつかまえろ
7.人生とは穴ぼこのようなもの
8.ウルブーと荒馬
9.ラメント
10.絶望
11.カヴィオーン・カルスード
12.起きなさい、あなた
13.ご主人様は猫を捕まえる
14.アー・ウー・ラオー
15.黒人の会話
16.覚えているよ
17.俺は戻ってくる
18.フレーヴォを語るルジア
19.街のスルルー
20.カリニョーゾ
21.5人の仲間たち
22.手をつかんで
23.ヤオー
24.ウルブー・マランドロ


さて、この「ブラジル音楽の父」は、そんなピシンギーニャの全盛期、1930年代に録音された、どれも小粋で切なさたっぷりのインスト楽曲ばかり24曲も入った、彼の音楽やショーロという音楽を聴くにはこれ以上、これ以外のものは考えられないベストです。

アタシの場合は何事も「良いと思ったらそのルーツの方をとことん聴いてみないと気がすまない」という性質からショーロ、そしてピシンギーニャに辿り着いた訳なんですけれども、コレを聴いてボサ・ノヴァやブラジリアン・ポップスを聴く楽しみがグッと拡がったし、何よりも戦前の古い音質が、心の中をゆらゆらしている郷愁の部分にキューンときて、時間も日常の忙しないあれこれも素敵に忘れさせてくれるんですよねぇ。






(「ラメント」滑らかなサックスの旋律が本当に美しい)



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2016年04月21日

アストル・ピアソラとキンテート”ヌエボ・タンゴ” われらの時代

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アストル・ピアソラとキンテート”ヌエボ・タンゴ”/われらの時代
(CBS/ソニー・ミュージック)

はい、うららかな春のこの佳き日に、アタシはすっかり「アルゼンチン・タンゴしか聴きけない病」にかかってしまったようでございます。

で、ピアソラです。

前回の「タンゴ・コンポラネオ」の記事中で、アタシは確か、ピアソラはメジャーのCBSに何枚かアルバムを残しているよ、と書きましたが、本日はその肝心要の記念すべき第一弾となったアルバムをご紹介いたしましょうね。

その前に、アタシがここで勝手に「ピアソラ、ピアソラ」とはしゃいでムハーッとなってることに、多くの読者の皆さんは「?」だと思いますので、アストル・ピアソラが「新しいタンゴ(タンゴ・ヌエボ)を生み出す前」の経歴についてちょこっと解説して、皆さんに「へー、ピアソラってそんな人だったんだねー」と、少しばかり知っていただきたいと思います。

アストル・ピアソラは1921年、アルゼンチンの港湾都市マル・デル・プラタにて、イタリア系移民の三世として生まれます。

ちなみに同年生まれのミュージシャンといえば、ローウェル・フルスン御大、並木路子、チコ・ハミルトン、ジョニー・オーティスなどがおります。この中にジャズマンでありながらピアソラと同じように、クラシックからの深い影響を音楽のエッセンスとして取り入れたチコ・ハミルトンがいることに、何かしら奇縁みたいなものを感じますね。

アルゼンチンの国民音楽タンゴの大家であるピアソラなので、幼い頃よりドップリとタンゴ漬けだったのかと思いきや実はそうではなく、4歳の頃からニューヨークに移住して、そこで10代の頃まではジャズに夢中になっておったようです。

この、ピアソラのニューヨークでの原体験こそが、様々な音楽とタンゴを客観的に、或いは純粋に音楽的に比較対象して、独自のものを創造するピアソラの姿勢を育みました。

「芸術表現を味わうためには、それが古いものでも現代的なものでも、必要なのは感受性だけだ」

と、ピアソラは60年代にインタビューで語っておりますが、この徹底して客観的かつクールな視点に、彼の音楽性や音楽遍歴の全てが凝縮されているように思います。

で、ティーンエイジャーだったピアソラが「タンゴ(つまり母国アルゼンチンの音楽)をやろう!」と思ったきっかけは、16歳(だったはず)の時に再びアルゼンチンに舞い戻り、そこで1930年代末の時点で最高に先鋭的といわれたエルビーノ・バルダーロ楽団の演奏を聴いたことでありました。

ピアソラが最初に感銘を受けたエルビーノ・バルダーロ楽団の音楽は、自身もヴァイオリン奏者として、それまで「バンドネオンの補佐役」であったヴァイオリンその他の弦楽器を、時にメロディアスなソロでフィーチャーして、時によく練り上げられたアレンジの中で、美しいアンサンブルでも聴かせるといったものであります。

ピアソラはバルダーロに影響を受け、本格的な音楽理論を勉強しながら、自身もバンドネオン奏者として「オーケストラみたいな高濃度で広がりのあるタンゴ、つまりレコードでの鑑賞にも十分に応えられる新しいタンゴを作ってやろう!」との意気込みに燃えておりました。タンゴの新曲やクラシック曲などをガンガン作曲しておりましたが、1940年代の半ば、ちょうど第二次世界大戦が終わった辺りの頃に、タンゴ表現に限界を感じ、1954年には一旦タンゴを捨て、クラシックの作曲家となるためにヨーロッパへと移り住んでおりますが、その時師事した、20世紀を代表する音楽教育の巨匠、ナディア・ブーランジェの許でバッハ、特に平均律クラヴィーアを徹底して仕込まれます。

後のピアソラのスコアにバッハ的な対位法(2音以上の主旋律が互いのメロディとつながりながらひとつのメロディーになっているようなアレ)が出てきて、それがピアソラ聴きにとっては最高のカタルシスのひとつでもあるんですが、それはきっとこの時代に培われたものでありましょう。

ブーランジェ師匠には、自分がタンゴのミュージシャンであることなどを一切隠して真面目にクラシックの音楽生として通していたピアソラではありますが、ある日

「ピアソラ君、ちょっといい・・・?」

「はい先生、何でしょう」

「あなたの音楽性は・・・なんていうかなぁ、とっても独自の、他の人にない情熱があって・・・う〜ん・・・あなたはそれを今必死で隠そうとして、クラシックに没頭しているような気がするんだけど、気のせいかしら?」

「先生、私は今までクラシックしか好んだことがありませんし、これからも情熱は全てクラシックに捧げるつもりでありますが・・・」

「うん、わかる。それはそれで素晴らしいことよ。私はクラシックの教師だし、アナタには今のところクラシックの理論と表現法しか教えられない。でもね、それがもどかしく感じる時がね、ふとあったりするのよ。」

「先生・・・もう隠してもしょうがないから言いますが、実は私はアルゼンチンでタンゴをやっておりました」

「そうでしょう」

「でも・・・タンゴには限界があります。どんなに高度な技法を凝らしてスケールの大きな音楽を生み出そうが、大衆はそれを求めていない。」

「ほんとうにそうかしら?」

「えぇ・・・先生。だから私は失望しました。私の音楽は酒場やクラブハウスで一時の熱情に身も心も捧げる聴衆よりも、ホールできちんと聴く姿勢で聴き、いつまでも心に残してくれる人々に届けたいと。タンゴにはそれが出来ない。どうしても出来ないのですよ・・・」

「話を変えますアストル。バッハやベートーヴェンは、自らの何に従って曲を作り、そして演奏したと思いますか?」

「それは・・・情熱と感性です」

「そうです。ではアストル、あなたの情熱と感性はどこから生まれてきていますか?」

「それは・・・」


と(ぜーんぶ想像ですが)、つまり「自分自身の原点であるタンゴを演奏し、新しい音楽の地平をタンゴで切り開くべき!」と諭され、タンゴの世界へ戻り、長く果てしない戦いに身を投じることを決意するのであります。

そんなこんながありまして、アルゼンチンに戻ってからのピアソラは「世間のことなど知らん!」とばかりに、次々と大胆な試みを行います。

まずは1955年、タンゴのバンドとしては初の”エレキギターの導入”に踏み込みます。

とはいっても当時のエレキギター(フルアコ)はあくまで「生ギターでは出せない音量を稼ぐため」というのと、フルアコ独特の甘い音色でもって、自身のバンドネオンやヴァイオリンなどのメロディ楽器のパートを補うために、ピアソラはエレキギターを弾く演奏家をバンドに雇いました。つまりバンドに対する電気楽器の導入は、ピアソラにしてみればあくまで「常識内」のことであります。

にも関わらず、まだよくエレキギターというものを分からない保守的なファンからは、これはタンゴへの冒涜である!けしからん!と顰蹙を買うばかりではなく、ピアソラ自身脅迫状を送り付けられたり、実際不穏な人物に尾行されるなど、結構ガチでヤバい目に遭ってはいるんですが「タンゴに情熱の全てを捧げる、たとえ全世界を敵に回しても」という意志を持ったピアソラはめげません。

50年代のピアソラは、何枚かアルバムをレコーディングして、それらは賛否両論。でも確実にわずかな「賛」の声がピアソラを支えました。

50年代後半に1年ほどニューヨークへ滞在して、そこでジャズとタンゴを融合させた実験的な音楽を演奏し、ニューヨークで、ピアソラの名声は確実に高まっておりました。

「そうだ、古いタンゴのあり方に固執するアルゼンチンでウケなくても、音楽に対して、いや、新しく、そして鮮烈なものに正直な反応を示すニューヨークの人々が私の音楽を理解してくれている。ならばこのまま自分の信じる表現を究めて、それに対するリアクションを私は世界に求めるべきだ。世界が認めればアルゼンチンのタンゴもきっと変わる」

ピアソラは次々と”賭け”に出ました。

そんなピアソラに目を付け

「面白いじゃないか、それならぜひレコードで思いっきりやってみたらいい」

とオファーしてきたのが、当時の大メジャーレーベル、CBSだったのであります。

で、ようやくアルバムの紹介に移れます(汗)





【収録曲】
1.天使へのイントロダクション
2.天使の死
3.悲しいミロンガ
4.帰りのない旅
5.イマヘネス 676
6.われらの時代
7.バラの河
8.シンプレ
9.すべては過去
10.酔いどれたち
11.フイモス (昔のふたり)

”アストル・ピアソラ”関連記事

はい、1962年に製作された、タイトルもそのものズバリの「われらの時代」は、ピアソラの記念すべきCBS第一作でありまして、同時に「タンゴ・ヌエボ(新しいタンゴ)」あるいは「タンゴ・コンポラネオ(現代タンゴ)」を提唱するピアソラが、全世界へ向けて発信した、真に新しいタンゴの”粋”がギッシリ詰まった超大作であります。

ピアソラのファンにとってはすっかりおなじみの「天使の死」「天使のミロンガ」などの名曲も入っているというのがまず嬉しいのですが、このアルバムは、作品一枚がひとつの組曲のような、壮大なスケールの作品です。

ピアソラの”試み”としては、フーガ(対位法)を演奏の中でふんだんに、何の遠慮もなしに「これでもか!」と取り入れて、ひとつの曲の中で何度も何度も訪れる狂おしきカタルシスに、聴いてるこっちはハマり込んで「くぅぅ・・・!」とならずにはおれません。

メンバーには、この後もピアソラのよき相棒となるアントニオ・アグリ(ヴァイオリン)とオスカル・ロペス・ルイス(エレキギター)そしてBFHJで澄み切った芯のある魅惑のテノールでもうトロットロにしてくれるエクトル・テローサスがピアソラの音世界をガッツリと、本当に彼らひとりひとりがピアソラの分身であるかのように、音の化身となって創造しております。

楽曲のひとつひとつをじっくり解説したいのですが、私はもう何百回も聴いておりながら、この壮絶に美しく、そしてむせるような哀愁と典雅なハーモニーと激情やるかたないリズムが渾然一体となって響きあう音楽の前に、まだうまく言葉が出ないでおります。

とりあえず「ヴォーカル入りのタンゴ」としては、歴史を変えてしまった名演のBだけでも聴いて、そしてピアソラという人の「ドラマ作りの神ぶり」に浸っていただきたいなと。






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