ディープなコラム こちらにも書いてます♪

2017年11月06日

ドン・フリードマン サークル・ワルツ

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ドン・フリードマン/サークル・ワルツ
(Riverside/ユニバーサル)


昨日はボビー・ティモンズ『ディス・ヒア』を皆さんにご紹介しながら、ジャズにおける”ファンキー”とは何か?ということをお話ししましたので、本日はモダン・ジャズが成熟を極めた1960年代、今度はファンキーに代表される”ノリを求めるベクトル”のジャズとは真逆の方向から”鑑賞音楽としての質を重視したジャズ”というものについてお話しましょう。

ちょいとのっけから難しいことをのたまってしまったような気がしますが、コレはつまりアレです。ノリがいいのばっかり聴いてると「あー、何かこうメロディアスなやつも聴きたいね〜」と思うのが人情で、ジャズの世界にもそういうのがあったんですね。クラブでワイワイ言いながら聴くジャズもいいけど、家で静かにレコードで楽しみたいなぁとか、はい、そういうやつです。

具体的にいえば、クラシック音楽の耽美性を、ジャズ・ピアノの表現手法に大々的に盛り込んだスタイル。

とくれば、まず思い浮かぶのがビル・エヴァンスですね。

もちろんクラシックからの影響は、戦前からジャズの中に深く食い込んでおりましたし、モダン・ジャズ黎明期には、レニー・トリスターノというパイオニアがおりますが、エヴァンスはトリスターノの”クール”と呼ばれる水も漏らさないようなストイックな表現に、情緒の甘い毒を上手に絡めて「それを求める人誰もが感動できるようなピアノ表現」というものを大成させたんです。

ジャズ・ピアノの分野では”エヴァンス以降”あるいは”エヴァンス派”と呼ばれる一群がいて、今もこの流れを汲む人達の人気は非常に高いです。良いアーティストはたくさんおりますし、良い作品も多くあります。いずれも耽美でウットリするような美しい表現に秀でた人、多くおります。

知的でカッコ良くて、心の奥底の切ない部分をヒリリと刺激してくれる、そんなジャズ・ピアノが聴きたいという方のために、本日はこの界隈を代表する人の美しいアルバムをご紹介しましょうね、というわけでドン・フリードマンです。

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2016年に亡くなるまで、スタイルを変えることなく活動していた人なので、画像検索したら近年のとっても上品な老ジェントルマンな写真がたくさん出てきます。いいですよね、いかにも芸術家という感じがそのお姿からも滲み出ていて実にカッコイイ♪

この人は”エヴァンス派”の筆頭と呼ばれるピアニストで、耽美なメロディ重視のプレイ・スタイルは正にエヴァンスとの共通点をいっぱい見出すことが出来ますが、年齢的にはエヴァンスと同世代であり、幼い頃からガッツリクラシックを学んでいる(元々ジャズではなく、クラシックのピアニスト志望だった)そのやり方をあくまで自分なりにジャズ表現として寡黙に磨いてきた人であります。

ついでに言えばこの人のピアノ、最初は「お、これはビル・エヴァンスみたいでかっこいいね」となりますが、じっくりと聴けば聴く程、この人にしかないオリジナリティの虜になってしまって、正直アタシは「うん、この人はエヴァンス派というよりは、同時代にたまたま近いスタイルでもって世に出てきたライバルと言っていいんじゃないか」と思っております。



【パーソネル】
ドン・フリードマン(p)
チャック・イスラエル(b,@〜DF)
ピート・ラ・ロカ(ds,@〜DF)

【収録曲】
1.サークル・ワルツ
2.シーズ・ブリーズ
3.アイ・ヒア・ア・ラプソディ
4.イン・ユア・オウン・スウィート・ウェイ
5.ラヴズ・パーティング
6.ソー・イン・ラヴ
7.モーズ・ピヴォティング

この人の代表的名盤と呼ばれ、発売から50年以上経った現在も、多くのピアノ・ファンに聴かれ続けているのが、1962年録音の『サークル・ワルツ』であります。

全編美しく滑らかなタッチで奏でられるピアノと、ビル・エヴァンス・トリオ二代目ベーシストとして活躍したチャック・イスラエルの憂いのあるベース、そしてアタシ個人的に好きなドラマーNo.1のピート・ラ・ロカの鋭利な切れ味のドラムによるトリオ編成で、えも言えぬ幻想美に彩られた世界が描かれております。

一言でいえば「知的でロマンチック」たとえば一曲目『サークル・ワルツ』、イントロからどこか物哀しいメロディが躍動しながら立ち上がる瞬間の感動や、ハイ・テンポながらもそのアドリブにはふんだんに抒情が盛り込まれていて、聴く人の意識をどこか知らない”遠く”へ誘ってくれる『シーズ・ブリーズ』、静かなイントロからベース、ドラムが入ると加速して香気を振りまいてゆく『アイ・ヒアー・ア・ラプソディ』と、冒頭3曲だけでも、「はぁ美しい、はぁぁ美しい...」が止まりません。

中盤以降もその詩情の質を高純度で維持しながら、アルバム一枚分の憧憬をじっくり聴かせるフリードマンですが、後半に無伴奏ソロで奏でられる『ソー・イン・ラヴ』がクライマックスでしょう。穏やかなイントロ、急加速するアドリブ、そしてヒリヒリした余韻を残しながら消えてゆく何か...。これぞリリシズム!と、何度聴いても感動がこぼれて上手く言葉になりません。

特に素晴らしいのが、メロディアスに展開してゆくピアノのメロディーに、ピッタリ息を合わせ、歌うようにリズムを変化させてゆく、ピート・ラ・ロカのドラムです。

ラ・ロカといえば、以前にもジョン・コルトレーンの『Live At The Jazz Gallarey』でご紹介したように、個性的な管楽器奏者との共演においては、かなり独自のタイム感で、ある意味”かみ合わないところ”が魅力だったりします。

そんなラ・ロカがアタシはもう大好きなんですけど、このアルバムでのラ・ロカ、やっぱり絶妙な”間”と空白で、独自のアクセントを付けて叩いているんですが、その”間”と”空白”が、ピアノやベースの醸す抒情に、細かいところまでピタッ、ピタッと合わさるんですよ。

エヴァンスと違ってフリードマンの音色は、硬質で情緒に流されないところなんですが、そんなフリードマンの音色とも合った、細くしなやかなドラムの音も、いや本当に素晴らしい。



個人的に、ドン・フリードマンのアルバムで好みのものといえば、このアルバムより更に得意分野である現代音楽の方に踏み込んで、冷たい音で実験的なメロディーを紡いでゆくアルバムの方だったりするんですが、それでもやっぱり『サークル・ワルツ』を時折集中的に聴きたくなって、このアルバムにしかない、ひんやりと儚い抒情に浸りたくなるのは、やっぱりこのアルバムが作品としての”特別な何か”を持っているから。そして、どこをどう聴いても「最高に美しいジャズ・ピアノ作品」として、誰にオススメしても間違いがないからだと思うからであります。
















『音のソムリエ 高良俊礼の音楽コラム』

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2017年11月04日

ボビー・ティモンズ ジス・ヒア

6.jpgボビー・ティモンズ/ジス・ヒア
(Riverside/ユニバーサル)


ジャズやブルースなんかが好きで聴いておりますと

「イェ〜イ、ファンキーだね♪」

とか

「く〜、アーシーでたまらん」

とか

「ブルース・フィーリングがあるね〜」

とか

ゴキゲンなやつを聴いていると、ついそういう言葉が口を付いて出てくることがあります。

ブラック・ミュージックに思い入れのある方なら

「うんうん、わかるわかる。ファンキーでアーシーでブルース・フィーリング溢れてるやつはカッコイイよね」

と、大いに賛同してくださるところなんですが、かつてお店に来てくれたジャズ初心者のお客さんに

「何がファンキーなのか全然わかんない、アーシーって何?ブルース・フィーリングってむずかしい」

とツッコまれたことがありまして、あぁ、そうだよね、知らずに使っている専門用語が、初心者の人から見たら何だか難しくて壁が高いような感じに思えることってあるよね。と、大いに反省した記憶がございます。

で、アタシ自身もジャズやブルースやソウルにファンク。その辺を分かったようなつもりで聴いてはおりますが、ふと口から漏れるこれらの言葉が意味する本当のところって何だろうか?と考える日々です。

や、こういったことは理屈ではなく、単純に「これがファンキーだよ」と思うものを聴いて頂ければ良い、それを聴いた人が「イェ〜イ」ってなればそれがファンキーなんじゃないか。大体お前はいつもそうだ、考えなくていいことをいつまでもそうやってウジウジ考えて悩むから、いつまで経ってもロクな大人になれんのだ。

という心の声が、今しがた脳内に響いたような気がしますが、うん、そうですね、心の声氏の言うことも一理あります。

はい、サクサクいきましょう。

とりあえず

『ファンキーとかアーシーって何?』

今日はジャズ編ですね。

ジャズという音楽は、誕生してすぐにブルースという音楽を主な成分として成長してきました。

ブルースっていうのは、アフリカから奴隷としてアメリカに連れてこられた黒人達の子孫が、宗教音楽の”スピリチュアル”と共に、心のよりどころにしていた音楽で、言うなればアメリカ黒人の民俗音楽と言えるでしょう。

ブルースは歌とともに、ジャズは管楽器などをメインに添えたインストの多い音楽として、時に寄り添いながら、時に独自の道を歩みながら発展していった訳なんですが、戦後になるとジャズの世界でビ・バップという新しいスタイルが誕生し、ジャズは古い概念を次々と脱ぎ捨てて凄まじいスピードで進化してゆく音楽となり、この時点でその大元であるブルースとは、かなり隔たったところで鳴り響いているものでした。

ビ・バップというのは一言でいえば、コードの複雑化、フレーズの高速化などによって、元々持っていた娯楽性の高い部分をそのままに、鑑賞音楽としての芸術性を高めることにシフトしていったジャズであるといえるでしょう。

これが1940年代半ばから1950年代初頭にかけて行われたんですが、1950年代中頃には、若いプレイヤー達の中から

「なぁ、ジャズがどんどん難しいものになっていったら、お客さんにあんまウケないよなぁ。もっとこう、色んな人が楽しめて、かつ聴いてカッコイイものを作ろうや」

みたいな流れがぼちぼち出てきます。

この中心におったのが、当時”ジャズ・メッセンジャーズ”というバンドでブイブイ言わせておったアート・ブレイキーとホレス・シルヴァーであります。

二人はドラマーとピアニストとして

「キャッチ―で、バンド全体がノレるような曲」

を、ガンガン作って演奏しておりました。

彼らが思うところの「キャッチ―」つまり”バンドの演奏にお客さんが一体になって盛り上がれるイメージ”というのは、実はジャズのステージではなく、彼らが幼い頃から親しんでいた教会でのリヴァイバル、つまりゴスペルのコンサートにその究極があったわけです。

ゴスペルというのは、まず牧師さんが聖書の言葉なんかを引用して、お話をします(これを”説教”といいます)。

段々その説教に熱が入ってくると、自然と歌っぽくなるんですね。

で、そのリズムに合わせてオルガンが「ミャ〜」っとコードを鳴らしたりする。

そうすると牧師さんの説教がますます歌っぽくなる、つうかそこでゴスペルの有名な曲とかのフレーズに説教を合わせて歌う訳です。

そしたら今度はギターやらドラムやらが絡んできて、もう完全に”ライヴ”のノリになってくる。

ここで重要なのはお客さんです。

お客さんは牧師さんの説教の段階で、既に

「そうだ!」

とか

「神よ!」

とか、そういう愛の手を入れて、牧師さんの”ライヴ”に参加しとるんです。

牧師さんが何か言えば、熱狂した聴衆がアツく応える。

これ、ちょっと味方を変えてこんな風にしてみましょう。

「オーイェー、ノッてるかーい!」

「イェ〜イ!」

「お前ら今日は最高だぜ!」

「ワー!」

「オーケー、じゃあ次の曲は〇〇だ。サビのとこ一緒に歌ってくれよな」

「イェーイ!パチパチパチ」

(ズンダカダカダカダカダカダンダン・・・)

(サビ)

「イェーイ〇×▲※!」

「〇×▲※〇×▲※※!!」


・・・ちょっとアレですが、はい、こういうのってよくロックのコンサートとかでも見る光景ですね。

実はコレも、ずーーーーーっと源流をたどってゆくとこのゴスペルの「よびかけ」と「応答」に行き当たります。

これを専門用語で

コール・アンド・レスポンス

といいます。

よくよく聴いてみると、ジャズの曲にはこのコール&レスポンスを上手に演奏の中に取り入れた曲が多い。

例えばメインになるテーマ部分で、管楽器がワン・フレーズを弾いて、それをバックが返すとか、或いは管楽器同士でそれをやって、各自のアドリブに入ってゆくとか、そういった感じで使われますが、とにかくこの、ゴスペル由来のコール&レスポンスがメインテーマの主になっている曲というのは、聴いていて気分がムクムクと盛り上がる、ちょいと一杯クイッとやりながら「イェ〜イ」と、聴いてるこっちも合いの手を入れたくなる曲、つまりファンキーな曲が多い訳であります。


さぁ皆様、実はモダン・ジャズにおいては”ファンキーこの1曲!”というものがございます。

ここまでくればもう勘のいい方ならお分かりと思いますが、モダン・ジャズで最も有名な曲と言われている、アート・ブレイキー&ザ・ジャズ・メッセンジャーズの『モーニン』です。



このメインテーマ、最初にピアノが奏でるのが”コール”で、その後管楽器が「パー、パッ♪」とやってるのが”レスポンス”。次の小節では管楽器がコールをやってピアノがレスポンスしている。いや、見事ですね、実にカッコイイ。

1950年代半ば以降のハード・バップと呼ばれる音楽が目指していたのは、このワン・フレーズに凝縮されているような

・シンプルで、かつ完成度の高いカッコ良さ

だったんです。

ほんで、今日はこの曲「モーニン」の作曲者、ピアノのボビー・ティモンズのアルバムをご紹介しましょう。




【パーソネル】
ボビー・ティモンズ(p)
サム・ジョーンズ(b,@AC〜H)
ジミー・コブ(ds,@AC〜H)

【収録曲】
1.ジス・ヒア
2.モーニン
3.ラッシュ・ライフ
4.ザ・パーティ・イズ・オーヴァー
5.プレリュード・トゥ・ア・キス
6.ダット・デア
7.マイ・ファニー・ヴァレンタイン
8.降っても晴れても
9.ジョイ・ライド


何で「モーニン」が入ってるアート・ブレイキー&ザ・ジャズ・メッセンジャーズのアルバムじゃなくて、ピアノのボビー・ティモンズのアルバムなのか?それはここ数日アタシが「く〜、カッコイイなぁ」と思いながら聴きまくっていたからです。

それと、このアルバムこそがピアノ・トリオという最小限の編成の中に凝縮された”ファンキー”つまり、オシャレでスタイリッシュでかっこいい黒人音楽のカッコ良さが、ジャズを好きな人にも、まだそんなに好きでもない人にも十分に伝わる形でしっかりと楽しめるからなんです。

ボビー・ティモンズは1956年にケニー・ドーハムの”ジャズ・プロフェット”に参加して、その後アート・ブレイキーのジャズ・メッセンジャーズに参加して、名曲名演を数多く残しております。

バンドでの彼は、決して派手に前に飛び出さず、フロントのバックで実に職人魂溢れる、小粋なプレイを身上としておりました。

だから彼がバックでピアノを弾くと、バンド全体の演奏がキリッと締まるんです。

で、このアルバムは1960年に録音された、ティモンズにとっての初めてのリーダー作。

バックにベース、ドラムスを従えたティモンズのプレイはどうなんだろうと言いますと、これが実に粋でイナセな”都会の夜”を思わせる、渋い味わいに満ちた素晴らしいアルバムです。

注目曲はやはり「モーニン」でしょう。

コール&レスポンスで盛り上がるために作られたこの曲ですが、ティモンズはピアノでコールとレスポンスを一人演じながら、濃厚ななブラックコーヒーのようなプレイで聴かせます。

テーマからジワジワと盛り上がるアドリブも、決して勢いに任せたりはせず、じっくりと腰を据えて鍵盤の一打に内側に持っている”ブルース”を込めながら、ジワジワとアドリブで熱く盛り上がってゆく。

いいですねぇ、これですよ、これを”ファンキー”と言わずして何と言いましょう。

とにかくこの曲が聴ければ、それでもうアルバム一枚買うだけの価値があるぐらいの「モーニン」のカッコ良さですが、伴奏なしのソロで弾く「ラッシュ・ライフ」や、バラードの「マイ・ファニー・バレンタイン」なんかも、すこぶる沁みる名演です。

散々”ファンキー”と言っておりますが、アタシはこの人の魅力は、トリオでもフルバンドでも、良い感じの味わいになっている”抑えた音のカッコ良さ”にあると思います。

例えばブルースだったら、粘り気のあるフレーズをしつこく繰り返したり、どこまでも引き延ばすところが味です。でも、洗練と共に進化してきた都会の音楽であるところのモダン・ジャズでは、繰り返せるところや伸ばせるところをどこでキレよく寸止めにするか、つまり引き算で演奏するかが、その演奏者のセンスになってきます。

そういう意味でティモンズは天才的なセンスの塊ですし、彼のピアノそのものに、この時代のモダン・ジャズ(ハード・バップ)のカッコ良さが、とても伝わりやすい形で詰まっております。


ともかく「ピアノでジャズな気分を味わいたい」という方、これは長くお手元に置いておける一枚ですぞ。



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2017年11月03日

琉球新美茶 モリンガ茶



モリンガとは、亜熱帯地方に原生する、わさびの一種です。

古くから健康、美容など、さまざまな効能が言われております。

そう、わさびといえば日本でも殺菌効果のある食材として、昔から珍重されてきましたね。

モリンガの効能は、殺菌・消臭・免疫力アップ・デトックス・アンチエイジング、そして精神安定効果といわれております。

沖縄で生産されている琉球新美茶は、爽健美茶のようなスッとした穀物の香りで飲みやすい健康茶。飲んでいる人からは便秘が改善されたとか、体臭が目立たなくなったとか、そういう効果が報告されてますが、アタシはこのお茶のリラックス効果がいいなと思います。

薬ではないので、飲んだその日からの劇的な効果というよりも、無理なく長く飲み続けているうちに、あれ?体質が変わったぞ。というのが本来だと思います。


ラベル:健康食品 お茶
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2017年11月01日

ミルフォード・グレイヴス Grand Unification

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Milford Graves/Grand Unification
(Tzadic)


『人々は美味しいものが食べたいとか、綺麗な景色が見たいとか、目や口に入れるもののことはとても気にする。だが耳に入れるものに関しては驚くほど無関心だ。目や口に入れるものと同じぐらい、耳に入れる音楽は重要だ』(ミルフォード・グレイヴス)



よく「音楽には特別な力がある」とか「音楽で救われる」とかいう話がありまして、こういう話をすると人はすぐ、やれスピリチュアル系だとか意識高い系だとか言いますが、アタシはこういった話、信じています。

というよりも「特別な力がある」とか、そういう大袈裟な話にしなくても、ホンモノのグッド・ミュージックには、聴く人に「あぁ、これいいね。。。」と、特別な感情を抱かせるものですし、或いは個人個人の思い出なんかと密接にリンクして、人生語る時にはなくてはならないものだったりします。

つまり「音楽には特別な、たとえば人を救うぐらいの力があって当たり前」だと思うんです。

当たり前のことをいちいち言葉で飾って言わなくてもいい。でも、グッド・ミュージックを聴いてたまに胸の内でそういったことについて深く考察してみるのもいいのでは?

という訳で、何でいきなりこういう説教臭いことを書いているのかと言いますと、ミルフォード・グレイヴスを聴いてるんですね。

えぇ、ミルフォード・グレイヴスという人はジャズ・ドラマーであり、特に過激と言われるフリー・ジャズの世界に長年身を置いて、同時にジャンルにはこだわらないパーカッショニストとして、音楽を演奏するということはもとより「音楽と肉体や精神との関係」というテーマを真面目に考察し、体育、哲学、医学とパーカッション・ミュージックとの融合も真剣に、現実的な課題として捉え、積極的な活動をしてきた人です。

1941年にニューヨークで生まれ、60年代にはジョン・チカイ、ラズウェル・ラッド、レジー・ワークマンらと前衛ジャズの画期的なユニット”ニューヨーク・アート・カルテット”を結成し、アルバート・アイラーやジュゼッピ・ローガン、などのアルバムに参加して、一躍”フリー・ジャズの代表的なドラマー”の一人として脚光を浴びておりましたが、彼のドラミングは当初から、激しく感情を炸裂させるパワー・プレイではなく、自由なリズム展開でありながら、独特の柔らかくしなやかな打ち方と”間”を活かした空間全体を大きく呼吸させるような、そんな解放感すら感じさせるプレイが特徴的でした。

1977年には日本のフリー・ジャズ・ミュージシャンらとの共演のために来日して、阿部薫や近藤等則らとレコーディングも行います(この時作成されたアルバムが「メディテイション・アマング・アス」という名盤なんですが、この話はまた後の機会に...)。

そん時に”フリー・ジャズだ!”と、感情に任せてギャー!!とやっている日本のミュージシャン達の音を聴いて一言

「No,Not Free」

つまり、お前たちの音楽は激しくて力強いけれども、そこに自由は感じないんだと。

この話を聞いて「あ、この人はカッコイイな」と思いました。

ただの外国の偉いミュージシャンが日本に来て、エラそうに説教タレたんじゃなくて、音楽の可能性を引き出そうとして放った一言であったことは、それまでのミルフォードのドラムを聴いていたからすんなり理解できました。

「自由」

というものを音楽で表現する時は、それはもう生半可な気持ちではできない、意識を魂の根っこまで集中させて、そこにある不自由の元みたいなものを解き放つ音楽をやらなきゃいけない。という考えで音楽をやっているミルフォードは、人にも厳しいですが、自分自身にはもっと厳しいんです。

『この物質文明の社会においては、精神的なもの霊的なものが疎まれている。あらゆるものが物質的なものとしてとらえられている。例えばリズムがそうだ。それは人間やあらゆる生命体とこの自然、宇宙を反映させた生命力の表われとそのヴァイブレイションの法則なのだ』


ちょっと他の人が言えば実に胡散臭い言葉かも知れませんが(実際アタシも周囲の誰か大したことない素人が言ってたら空手チョップぐらい喰らわせそうになると思いますが)、ミルフォードはこういった自身の思想を具現化するために、規則正しい生活と節制を心がけるところから始まって、音楽理論、歴史、文学、哲学、医学、政治、宗教、物理学に至るまでの全ての学問に音楽のヒントとなることを求め、太鼓の皮の張り方やドラムのチューニングひとつひとつにも「聴く人間の心と体に作用する方法」で行うように気を配っていると言いますからやはり大したもんです。

彼の発言は本当に勉強になり、思考に良い刺激を与えてくれるワードの宝庫なんですが、直接引用するととても次元が高過ぎてそれなりの勉強を要しますので、まとめとして簡単にしたものがコレ↓

『古代アフリカでは、音楽というのは言葉以上のコミュニケーションの手段だったんだよ。嬉しい、悲しい、苦しい、楽しい、その他あらゆる感情を太鼓を使って相手に伝えることが出来た。何故なら文明によって作られた余計なものがなく、みんな自然体で人の心の精妙なゆらぎも理解できていたし、雨が降るとかあそこに動物がいるとか、そういったことも普通に理解できていたからだ。今の文明社会は余計なものが多過ぎて、音楽も抑圧されて死んだ音楽になっているから、そういったものとは真逆にある”生きている音楽”を作ることが僕たちミュージシャンの使命なんだ』




(作家、立松和平との対談で、とてもいいことを言ってます。ちょっと長いのですが時間のある時にでも)





【パーソネル】
ミルフォード・グレイヴス(ds,perc,voice)

【収録曲】
1.Grand Unification
2.Transcriptions
3.Gathering
4.Decisive Moments
5.Memory
6.Know Your Place
7.Intuitive Transformation
8.Transcendence


ミルフォードの「他の人と共演した名盤」はいっぱいあって、特にアルバート・アイラーの「ラヴ・クライ」とか、ジュゼッピ・ローガンの「ジュゼッピ・ローガン・カルテット」なんか本当にカッコイイんですが、彼のパーカッショニストとしての凄さ、表現者としての哲学の深さを聴きたきゃこのパーカッション・ソロ・アルバムでしょう。

全編ミルフォードが様々なリズムを駆使して叩く、アフリカン・パーカションと、彼自身のヴォイス”だけ”なんですが、しなやかなタッチで、まるでメロディ楽器を奏でているような、ストーリー性を持ったリズム、それが演奏の中で様々な形に変化しながら、気が付けば聴く人の意識を優しく包み込んで、えも言えぬ豊かなグルーヴに、知らぬ間に引き込んで躍動させる。

正直「パーカッション・ソロなんて退屈なだけなんじゃないかなぁ・・・」と思っていましたが、それ以前に耳に全然キツくないこのフリーな音楽を、一枚流して聴いた後、特に何も考えてないのに、感想が言葉として出てくる前に、体が何かほんわか喜んでいるんですよ。

音楽聴いて頭で理解する前に体が喜ぶ。

うん、本当は当たり前のことなんですが、それをメロディとか詞とか、他の楽器の装飾とかなーんもなしで、太鼓と声だけで感じさせるミルフォード、本当に凄い。凄いんですよ。

だからこれをジャズだとかフリー・ミュージックだとか、そういう風に意識して聴くのはよろしくないですね。「イカすグルーヴ」とユルく思って聴きましょう。確実に楽しいです♪










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2017年10月31日

ザ・ベスト・オブ・ブラインド・ブレイク

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ザ・ベスト・オブ・ブラインド・ブレイク
(Pヴァイン)

様々なジャンルの音楽を聴き込んでいくうちに、戦前ブルースに行き着いて「気が付けばその泥沼にハマッてしまってエライ事になってしまった」という話はよく聞きます。

実際アタシも18から19の時にある日突然ノイズだらけの古い録音のはずのブルースが、それまでにない生々しさでもってガツーンと聴こえるようになって以来、しばらく”戦前ブルースしか聴けない病”を患ってしまい、往生した記憶がございます。

最初はロックや戦後のブルースのルーツを探究するような気持で戦前ブルースを聴きかじるんですが、そのうち戦後の音楽にはない、戦前モノならではの楽しみや奥深さが楽しくなってしまい、結果泥沼にハマり込んでしまうことになってしまうのです。

では、その「戦前ブルースならではの魅力」とは何でしょうか?

うむ〜、これはもうたくさんあり過ぎて、全部書こうとすると長い上に精神的な重っ苦しい話もふんだんに混ぜられた、かなりイッちゃった文章になると思いますのでまず省略。

もっと音楽好きの皆さんに分かり易く説明するとすれば、戦前モノのブルースには、意外と洗練されて都会的な”陽”の部分に溢れたものがある、ということ。

そのひとつがラグタイムです。

ラグタイムはジャズの元になった音楽のひとつと言われ、大体19世紀頃に誕生しています。

西洋音楽起源の、当時のポップス(長調と単調による、非常にシンプルなもの)を、黒人がピアノで演奏する時、独自のシンコペーション(リズムのズレ、今で言う”アフタービートの黒っぽいノリ”ですねぇ)で、左手が「ボン、パン♪ ボン、パン♪」とリズムを刻めば、右手は主たるメロディーを(チャッチャッチャ♪チャラッチャ♪」と、前のめりにつっかかるように弾くようになり、これが「新しい!」と白人達にも大いにウケて、第一次世界大戦の時なんかは、人が集まる砕けた雰囲気の場所にピアノさえあればコレが演奏され、更に映画の世界ではコミカルな場面では必ず使われるぐらいに大流行した。

これがラグタイムなんですが、後にこの独特のグル―ヴィーな音楽を、ブルースマン達がギターで再現し、このスタイルの名手と呼ばれる人達が1920年代わんさか出てきました。

その代表的なギター名手が、本日ご紹介するブラインド・ブレイクです。

何にせよピアノでは右手と左手を使って、別々のシンコペーションで弾いていくというこのスタイルを、ギターを弾く右手の親指と人差し指(たまに中指も)を使って再現するというのは実に至難の技で、多くのブルースマンが「それっぽく弾ける」レベルでなかなかいい演奏をするのに対し、このブラインド・ブレイクという人は、完璧なリズム感、完全に独立した親指とそれ以外の動きで完璧に再現して、しかも他の追随を許さないオリジナリティを持っている訳で、ハッキリ言ってバケモノなんです。

戦前ブルースにハマりまくっていた時「盲目のブラインド・ブレイクは、特にその凄まじいギター・テクニックとラグタイム・ギターの完璧ともいえる完成度で」と書いてある何かの記事を見付け、早速ベスト・アルバムを買って聴いたら

「すげぇすげぇ、ブラインド・ブレイクも凄いけど、このサイドギターの人も凄いわ!ブレイクの弾くメロディにピッタリ合わせてしかも絶対にブレないしヨレない。恐ろしいリズム感だ!!」

と、興奮したんです。で、そのギタリストの名前を覚えようとライナノーツを読んだら、絶妙なリズムをバンボンバンボン刻んでいるサイドギタリストの事には一言も触れておらずに、ん?おかしいと思って色々と調べたら、実はあの「どう聴いても絶対に2本以上に聞こえるギターは、ブレイク本人が右手親指と人差し指による絶妙なコンビネーションで弾いているのだ」と知って、本気で卒倒しそうになりました。




【収録曲】
1.Blind Arthur’s Breakdown
2.Police Dog Blues
3.West Coast Blues (take 1)
4.Dry Bone Shuffle (take 2)
5.Too Tight Blues No.2
6.Skeedle Loo Doo Blues (take 2)
7.Bad Feeling Blues
8.Let Your Love Come Down
9.You Gonna Quit Me Blues
10.Diddie Wa Diddie
11.Early Morning Blues (take2)
12.Fightin’ The Jug
13.Sweet Papa Low Down
14.Sea Board Stomp
15.Black Dog Blues
16.Hastings St.
17.One Time Blues
18.Panther Squall Blues
19.Georgia Bound
20.Rope Stretchin’ Blues-Part1 (take2)

そん時買ったベスト・アルバムが、Pヴァインから出ていた怒涛の戦前ブルースの巨人達シリーズ『キング・オブ・ザ・ブルース〜』シリーズでしたが、今出ている上記ベスト盤は、その内容と一緒で値段が安くなったスグレ物であります。

例によって写真も一枚しか残っていないし、その生涯についても謎の多い、いや、多すぎるブレイクは、最初女性シンガーのバックでギターやピアノを弾くバック・ミュージシャンでしたが、そのギターの卓越した才能を認められ、ソロ・レコーディングをしてそれが予想外にブレイクした(ダジャレじゃないよ)したと言います。

主な活動地は、1920年代当時ジャズやブルースの最先端が毎晩のように演奏されていたシカゴ。

この地でほとんど独走状態の人気を誇り、後に戦前シカゴ・ブルース界で卓越したギタリストと評されることになるビッグ・ビル・ブルーンジィやタンパ・レッドなどにも直接影響を与えた人ではありますが、1934年に38歳という若さであっけなくこの世を去っており、また、30年代以降にはバンドブルースが隆盛を極め「ひとりジャズ・バンド」とも形容されたブレイクのようなラグタイム・ギターは徐々に演奏されなくなって、彼のスタイルを直接受け継いで今に伝える人はおりません(アコースティックなブルースをやるミュージシャンは時々ラグを演奏します、また、日本ではフォロワーとして有山じゅんじという凄い人もおりますが、いずれもレコードを通しての影響です)。

明るくリズミカルで、スローな曲もほんわかした味のあるブレイクの音楽は、ひょっとしたら最初はブルースに聞こえないかも知れませんが、それはそれで一向に構いません。このノリ、このグルーヴ、そして完璧なまでに洗練された音世界は、ワン&オンリーな音楽として、他のどのジャンルの音楽とも、ブレイク一人で対抗できるとアタシは思っております。

CDの内容についての解説、全然しておりませんが、アタシが何を言いたいのかは、このCDに収録されている彼の強烈無比なラグタイム・ナンバー『Blind Arthur’s Breakdown』『Dry Bone Shuffle』などを聴けば、ズドーンとお分かりになろうかと。


彼の謎に満ちた生涯については、過去にコチラ↓にも書いてありますんで、併せてお読み頂ければこれ幸い♪あ、文体が真面目ですが書いてるのはアタシです、ハイ。。。


”ブルース入門編 〜初心者のための優しいブルース講座〜”




『音のソムリエ 高良俊礼の音楽コラム』

サウンズパル店主高良俊礼の個人ブログ
http://ameblo.jp/soundspal/


posted by サウンズパル at 19:31| Comment(0) | ブルース | このブログの読者になる | 更新情報をチェックする