2017年11月21日

ブリューワー・フィリップス ハウンドドッグ・テイラーに捧ぐ

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ブリューワー・フィリップス ハウンドドッグ・テイラーに捧ぐ
(Delmark/Pヴァイン)

ブルースはパンクだ!!

という衝動を、ギャンギャンに歪んだギターの音と、ギター+ギター+ドラムスという変則トリオの絶妙なコンビネーションで、ブギまたブギのノリノリサウンドで最高に爆発させてくれるの唯一無二のバンドがハウンドドッグ・テイラー&ザ・ハウスロッカーズであります。

ブルースがそろそろ渋い大人の音楽と言われるようになり初めるようになった1970年代、ようやく出てきたおっさん達が、渋くない、良い意味でのチンピラ魂を全開にしてあひゃひゃと暴れ回るそのサウンドは、今もってブルース云々を通り越して「これはガレージ・ロックだ!」と狂喜する若者やおっさんを量産してると言いますから恐ろしい話であります。

で、そのハウスロッカーズ、ギター+ギター+ドラムスの変則トリオと書きましたが、ぎゅいんぎゅいんに歪ませたスライドで暴れるリーダーのハウンドドッグ・テイラーの隣で、大人しくコード・カッティングとかせず、ゴワゴワに歪んだ音でベースとほぼ同じフレーズをボコボコ弾きまくっているイカレたギタリストがおりまして、この人が本日の主役、ブリューワー・フィリップス!!!!

あのですねぇ、もうハウスロッカーズでのブリューワー・フィリップス、最高なんですよ。

ベースと同じフレーズ弾いてるんだったら、ベース弾いた方がバンド・サウンドに重みが出ていいんじゃないかと普通は思うし、実際その通りなところを、あえてギターで通してる理由とかそういうのはまーーーったくわかんないんですが、多分本人達に訊くと

「あぁ?そんなの決まってんじゃねぇか、やかましいからよ。ヒャッヒャッヒャ!」

としか返って来なさそうなので、そこんとこ、深く突っ込むのはやめときます。

とにかくもうハチャメチャなコンビネーションで、音楽やっているというより、一緒に悪いことやってるのを楽しんでいるような、ハウンドドッグ・テイラーとブリューワー・フィリップスです。

二人は共に戦前の南部生まれ(テイラー1915年生、フィリップス1924年か1930年生)、戦後にシカゴに出てきて70年代にハウスロッカーズを組むんですが、実は戦前に南部のあちこちでたまたま偶然会っていたようです。

「あぁ、オレが南部でチンピラやってた頃だな。ブリューワーはトラックの運転手だったみたいなんだよね。で、何故かアイツとは偶然会うことが多かったよ。歩いてたらトラックの運転席から”アンタよく会うけど何なんだ!”って。何なんだもクソもねぇよヒャッヒャッヒャッ!音楽?いんや、アイツがギター弾くなんてのを知ったのは、シカゴに来た後だ。1959年にヤツと一緒にやるようになってからだな。」

(ハウンドドッグさん、ブリューワーはメンフィス・ミニーにギターを習ってたらしいんですが・・・)

「メンフィス・ミニーかぁ、ありゃあイイ女だよなヒャッヒャッヒャ!何だって?アイツがメンフィス・ミニーにギターだって!?馬鹿言っちゃいけねぇよ、ミニーはその頃大人気でオレですらなかなかお近付きになれなかったんだ。アイツみてぇなチンピラ相手にされるかよ!」

(むしろブリューワーのギター・スタイルは、ジミー・リードのバックでウォーキングを刻んでいたエディ・テイラーに通じるものがあるように思えるんですがどうなんでしょう?)

「(機嫌がコロッとなおる)あぁそうだなぁ。エディとヤツはミシシッピにいた頃からよくツルんでたらしい。釣り仲間だってよ、ヒャッヒャッヒャ!お前さん真に受けちゃいけねぇぜ、アイツらの釣りは酒場でおねーちゃん釣るやつだからな」

(はぁそうですか・汗、で、エルモア・ジェイムスの破天荒なスタイルに影響を受けたアナタとジミー・リードのダウンホームなロッキン・スタイルをお手本にしたブリューワーが組んで・・・)

「おぅ、そうよ。オレが知る限りエルモアとジミー・リードってのは50年代シカゴの花形よォ。だからそのスタイルを掛け合わせたオレらのハウスロッカーズってのは結局イカしたバンドよ。ヒャッヒャッヒャッ!!」

はい、ハウンドドッグ・テイラーさん、ありがとうございました。

どうでしょう?このオッサンほとんどアテになりませんが、ブリューワー・フィリップスの前半生というものを少しは喋ってくれたでしょうか。話を続けます。

ハウンドドッグ・テイラーとブリューワー・フィリップスは、1959年から1975年まで仲良くハウスロッカーズの活動を続けました。

ブリューワーはハウンドドッグより10歳ぐらい年下でありますが、お互い”兄弟”と呼び合うフラットな関係で、冗談を言い合い、時に喧嘩もしながら日々のギグをこなしていたんですが、ある日のことブリューワーが

「よぉ兄弟、オレはゆうべお前の不細工な嫁さんとよろしくやってたぜぇ」

という、タチの悪い冗談を言ってしまい、それに激怒したハウンドドッグが持っていた銃で足を撃つという事件が起きてしまいました。

誤解のないように言っておきますが、ブルースの昔からヒップホップの現在まで、ブラックミュージックのコミュニティでは、このテのキツい冗談というのは、仲良しの証として言い合うというコミュニケーションが存在しております。

恐らく普段からこの二人にとって、このテの冗談は挨拶代わりの当たり前のことではあったんでしょうが、この日はハウンドドッグ、虫の居所が悪かったのか、つい発砲してしまいました(”つい発砲”ってところが何ともですが・・・)。

ブリューワーもこれにはアタマに来て「絶縁だバカヤロウ!」と。

ついでに刑事告訴して、ハウンドドッグは逮捕収監となるはずだったんですが、実はこの時ハウンドドッグは癌の末期で、後日警察ではなく病院に担ぎ込まれました。

銃をぶっ放たれて絶縁を突き付けたとはいえ、長年の相棒です。その相棒が明日をも知れぬ命で、病院で最期の時を待っていると知ったブリューワー、とにかく見舞って和解しようと病院へ駆け付け、いや、ハウンドドッグ、あの時はお前の機嫌も考えねぇでヒドいこと言っちまった。んなこたぁねぇよ、オレの方こそいくら虫の居所が悪かったとはいえ、相棒を撃っちまうなんてヤキが回ったな。お陰でこのザマだ、本当にすまねぇ。と、二人はめでたく和解。

俺達もう還暦のいいジジイなのに何やってんだろうな、おいおいハウンドドッグ、お前はそうかも知んねぇが、オレはまだ50だぜ?いや、55か。まぁどっちでもいいや。元気になったらまたブギしようぜ。あぁそうだな、なんて会話を交わしたその2日後に、ハウンドドッグ・テイラーはあの世へと旅立ってしまいました。

ハウンドドッグ・テイラーの偉いところは、世に本格的に認められたのが1970年代で、いわゆるロック世代の連中からは大御所扱いされなかったところなんです。世代的にはB.B.キングよりもちょい上で、マディ・ウォーターズは2コ上。

でも、そういう風にあがめられているブルースマン達のことなどどこ吹く風で、一貫して変えなかったダーティーなブギーを、相変わらず下町の狭く汚い(失礼!)クラブで演奏することで日銭を稼いでおった。もちろん彼をリスペクトする若いロック・ミュージシャンはたくさんいたでしょうが、そういうところにやあやあと出て行って、物分りのいい大人な演奏など絶対しなかった。カッコイイですよね、や、それしか出来なかっただけかも知れませんが。。。





【収録曲】
1.You Don't Have To Go
2.For You My Love
3.You're So Cold
4.Hen House Boogie
5.Lunchbucket Blues
6.Don't You Want To Go Home With Me
7.Blue Shadows
8.My Baby Don't Love Me No More
9.Laundromat Blues
10.Looking For A Woman
11.Cross Examination
12.Homebrew
13.Right Now
14.Tore Down
15.Let The Good Times Roll
16.Do What You Will Or May


ハウンドドッグが亡くなってからのブリューワーは、相変わらずゲットーの仲間達とツルみ、派手ではないものの、しっかりとブルースに根を生やした活動をしており、ギターを持ってゴキゲンにブギーする彼の姿はやはり小さなクラブハウスにありました。

で、1996年にいきなり「ハウンドドッグに捧ぐ」なるタイトルで、新作としてこのアルバムがリリースされた訳です。

とりあえずその事実だけでも事件なのに、このアルバム何が最高かって、ちょいとスクロールしてもう一度ジャケットを見てください。明らかに目つきのヤバいおっさんが、シャツのボタンほとんど外して、手に持ってるのはギターじゃなくて何故かハンマー(!)こんなもんアーティスト写真じゃなくてリアル事件現場の防犯カメラじゃないですか。

内容は、そんなちょっとアレな感じのジャケットに負けず劣らずの、実にタフで1950年代とか60年代の”ヤバかったころのシカゴ・ブルースそのまんま”の濃厚な香りのする、見事なダウンホーム・ブルース。

ハウスロッカーズのあのプレイしか知らなかったから、どんな演奏するんだろうと、少しハラハラしましたが、1曲目ジミー・リードの「You Don't Have To Go」のゴキゲンなウォーキングと、程よいドスが効いて実に味のあるヴォーカル、そしてルーズだけれどもキメるところはバシッとキメるバンド・サウンドを聴いて「あ、これは間違いない」と思いました。

必殺のブギーは、もちろんいい感じのがたくさん入ってますが、それだけじゃなくて、スロー・ブルースでメロディアスなチョーキング(抑え目だけどこれがまたいい!)を披露してくれるギター・ソロも実は上手い、いや、旨いんですよ。

とにかく全く”作り物”な感じのしない、往年のシカゴ・サウンド(しかもかなりやさぐれて渇いた質感のある)ですよ。1995年の録音!?ウソでしょ、何このリアリティ!!と、100回聴いて100回思えるダーティーな雰囲気、実にヤクザで最高です。

大物のスーパープレイを聴く醍醐味はもちろん素敵ですが、ブリューワー・フィリップスみたいな、現場第一主義でずっとやさぐれてきた人のサウンドを聴いて「くーーーー!!」ってなる素晴らしさがブルースにはありますね、えぇ、あるんです。くーー!





”ブルース入門編 〜初心者のための優しいブルース講座〜”



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2017年11月19日

INU メシ食うな

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INU/メシ食うな
(徳間ジャパン)


みなさんこんばんは、気温も寒くなって機嫌が良いので、今日は”そもそも”についてお話しようと思います。

考えてみればそもそもアタシが音楽にハマッたきっかけは、小学校6年の頃に聴いたブルーハーツです。

音がどうとかスタイルがどうとか、アタマの悪い小学生にはそもそもそんなことは分かりません。

ただ、歌詞が良かったんですね。

そもそも思春期だったんです。

思春期といえば、友達関係とか異性のこととか、そういう事に思考がのめり込む時期で、アタシも一丁前にそういうことで悩み始めておりました。

そもそもアタシのいけないところは、手前のクダラナイ悩みにも、すーぐ世の中という、手前には手に負えないスケールのことを持ち出して、必要以上に深刻になってしまうことでありまして、ええ、最初にそういったことを具体的に思考に絡めて、よせばいいのに悩み苦しんでおったのが実に小学校から中学校に上がるか上がらないか、そのぐらいの時期だったんじゃないですかね。

その時に聴いたブルーハーツの歌詞というのが、アタシにとっては救いであり天啓であり、キリスト教徒にとっての聖書とか、中国共産党員にとっての毛沢東語録とか、アントニオ猪木ファンにとっての赤いバスタオルとか、猫にとってのマタタビとか、そういうものだったんですね。

で、親父に

「この音楽は一体何ていう音楽だ?」

と訊いたら、親父は

「パンクだ」

と言うのです。

そもそもパンクというのは、世の中の体制みたいなものにノーを唱えるメッセージみたいなもんが必要なんだ、と。

アタマの悪い小学生ながら、ほほぉと思いまして、アタシはパンクにのめりこんで行く訳です。

パンクロックというのは、1970年代のイギリスで誕生したんだと言われ、イギリスのパンクも聴きたかった訳なんですが、そもそもブルーハーツの歌詞に感動したお子様なので、英語の歌詞は分からないからとりあえず日本語のパンクを聴かせてくれやと、オススメされるままにアナーキーとかスタークラブとか、ラフィンノーズとかもよぉ聴いとりました。

その頃丁度バンドブームというのがあって、ラフィンノーズは2コ上とかの先輩達が「ゲット!ゲット!ゲットグローリー!」とか言って盛り上がってました。

アタシもその中に恐る恐る混ざってみたりしたこともありましたが、いやちょっと待て、そもそもこの”パンクロック”というのは、みんなで仲良く一緒にをーをー言う種類のパンクロックだ。そもそもアタシが好きなのは、何かこうもっと個人的なアレのヒリヒリしたところにチクッとくるようなものが欲しいんだ。と思いまして、田舎ということもあり「パンクロックは家で一人で聴く音楽」に、早々と認定してしまい、それについて学校とかではっちゃけることはあんまなかったです。

そもそもアタシは暗い人間です。

学校を適当に切り上げて、ウキウキで家に帰ってきたら自転車で街に出てCDとジュースとお菓子を買って、家で聴く。たまに友達と街で会えば、そりゃ遅くなるまで適当なことで盛り上がったりもしましたが、そもそも心はいつも我が家の自室のCDラジカセと共にあるよーなクソガキでした。

例えば夜の10時とかに帰ってきても、サッとメシ喰って、ジャッと風呂浴びて、部屋に籠って爆音で音楽を聴くと。

それを面白がって見ていたのが母親で「これを聴きなさい」とオススメしてくれたカセットテープには、スターリン、レピッシュ、PINK、BUCK-TICK、筋肉少女帯、そして町田町蔵のバンド”INU”なんかが入っておりました。

そもそも母親は、そういうカセットにしれっと遊佐未森なんかを入れるヒドい人なんでありますが、この人の「これ、パンクよ」と言うバンドやアーティストの曲は、大体どれも「仲間ををーをー言わない歌詞/音楽」だったりして、非常に好感が持てたのですが、特に「これがいいの!」と熱を上げていたのがスターリンと町田町蔵です。

今は作家の町田康として、素晴らしい小説や随筆をたくさん書いておられる人なんですが、そもそもこの人はパンクロッカーで、高校時代からもうバンド組んで関西では名の売れた人だったんですよ。



【収録曲】
1.フェイド アウト
2.つるつるの壷
3.おっさんとおばはん
4.ダムダム弾
5.夢の中へ
6.メシ喰うな!
7.ライト サイダーB(スカッと地獄)
8.インロウタキン
9.305
10.メリーゴーラウンド
11.気い狂て


INUですねぇ。

このアルバムは町蔵が”INU”としてリリースした唯一のアルバムです。はい『日本のパンクロックの黎明期の名盤』と呼ばれております。

名前がそもそも『町田町蔵』なんていうイカツい名前でパンクロッカーと言うんですから、アタシはてっきり何か物凄いゴツい声の、坊主頭で人相も凶悪で、上半身裸のプロレスラーみたいな人を想像していたんですが、ご本人のルックスは非常に端正なお兄さんで、ヴォーカル・スタイルも思ってたより全然ゴツくない、ついでに言えば音楽的にも拳振り上げて全力疾走する、いわゆるパンクロックというよりも、その後のニューウェーブの、物凄い硬派なヤツみたいな感じで、音楽的な完成度みたいなものが、あ、これは高いなと、そもそも音楽的な完成度とかそういう高度なことは分からなかったくせにそう思ったんです。

メンバーはとても流動的だったようですが、北田昌宏の緊張感溢れるギターが凄くて、町蔵の内へ内へと沈み込んで爆発する狂気のヴォーカルがギットギトに描く世界観と異常な親和性でリンクして、もう怖いぐらいなんですよ。

そう、このアルバムの「凄いなこれ」と思わせるところには、特有の”怖さ”というものがあります。

町蔵の歌詞は、この時代から(確かこれ書いた時はまだ十代だったと思う)実に文学的でやぶれかぶれで、内から湧き出るむき出しの言葉を、音程とか共感すらもどうでもいい、そんな潔さで聴き手の意識にぶつけてきます。

そもそも一人称が”俺達”になりがちな(言葉としてではなく態度として)ロックにあって、終始一貫して一人称”俺”なんですよ。


沢山の人間が居て 俺はその中の一人
定まらぬ視線の中で みんなお互い窒息寸前
ええ加減にせんと気い狂て死ぬ



大衆、世の中、世間・・・まぁ何でもいいんですが、そういった実に曖昧でやたら大きなものに、ガリガリの上半身を曝して包丁握って自爆しに行く。仲間なんぞいらん、勝手にやらかして勝手に死んだるわい!どの歌詞からも、そういったヒリヒリしたメッセージがガンガン飛んできて、あぁ、これはパンクだなと、納得なんか出来なくても、叫び、振り絞り、呻き、呟く町蔵のヴォーカルには、安直な”みんなでがんばろう”みたいなものを、吹き飛ばして切り裂いて、足で踏みつけてグチャグチャにする、凄まじい呪詛として、アタシの脳裏には写りました。

そもそも凄まじいネガティヴの力です。でもこのINUのサウンドと町蔵の怨念ヴォーカルには、クールでスタイリッシュなUKパンクから、そのまんま影響を受けた”パンク”にはない”パンク”を感じてしょうがないんですよ。

そもそも音楽に必要なものって、こういう正当な怒りなんじゃないかと、大人になってどうでもいい物分りの良さを身に付けたつもりのアタシは、今冷静に思っています。



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2017年11月17日

O.V.ライト イントゥ・サムシン

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O.V.ライト/イントゥ・サムシン
(Hi/SOLID)

しとしとと冷たい雨の降る11月です。

何となく”歌”が聴きたくて、我が家のCDをあれこれ物色してますが、今日は「やっぱり歌といえばソウルでしょう」な気分。そうです、ソウルです。

え〜、ソウルにも色々ありまして・・・と言うと長い上にややこしい話になりますので割愛。名だたるシンガー”しか”いないソウルの世界でアタシがこよなく愛するのが、ディープなフィーリングとパワフルな歌唱で聴き手の魂までも強引に浄化してしまう”親方”ことO.V.ライト。

もうね、この人の声はスピーカーから出てきた瞬間に、聴いてる方の意識が別次元に飛ばされるんですよね。

十代の頃から南部のゴスペル・グループ(サンセット・トラベラーズ)で活躍し「天才リードシンガー」と呼ばれていたけれど、それこそリードともなれば”凄い”は当たり前の連中がゴロゴロしている中で頭ひとつ抜きん出た存在だったというのは、つまりもう形容する言葉もないぐらい、その歌声は素晴らしかったということです。

喉から腹からつま先まで、体全体を大きく震わせて放たれるその渾身のシャウトは、強いだけでなく、聴き手の心を激しくゆさぶった後に、えもいえぬ優しさが、じんわりじんわり沁みてくる。

えぇ、アタシは無学な日本人だ。英語の歌を聴いてパッとどんなことを歌ってんだかわからない。それでもねぇ、歌ってのはそんなじゃないんだよ、頭で聴くんじゃなくて魂(ソウル)で聴いてグッときたら、それが言葉以上の真実なんだよ。と親方はいいます。

イエス、ブラザー。おぉイエス、あぁいいねぇ・・・。と、聴いているうちに心の洗濯と漂白までも終わり(つまりCDやレコードが全部再生し終わったということ)さぁ俺も強く生きるべと、そんな力を与えてくれる親方の歌唱。あぁイエス・・・。

バイオグラフィーを辿れば、そのパワフルを極めた聖なる歌声とは裏腹に、服、車、酒、麻薬などであっという間にカネを消費して、ギャラはその場で使い果たす。特にヘロインに関しては何度も逮捕され投獄され、晩年には薬代欲しさで窃盗をしてしまって逮捕されてしまう。41歳で亡くなったのも結局は長年の不摂生に麻薬の常習がたたって血管がボロボロになったことが原因の心臓発作。

その歌声で多くの人を救いながらも、自らは何ひとつ救われなかった悲しい人生を見るに何ともしのびない気持ちになりますが、歌を聴いてると、何かもう人生全てを投げ打って”うた”に特化した人だったのかな、本人は多分それに気付いてなかったんだろうけどと思ってしまいます。

さてさて、そんなO.V.ライト親方が、麻薬中毒や度重なる逮捕投獄のトラブルにまみれながらも最後の魂を振り絞って名唱を聴かせてくれるのが、1977年から亡くなる1981年まで在籍していた南部メンフィスのハイ・レコード時代。

よく「O.V.ライトの全盛期は、ハイの前のバックビート時代だ」という声も聞きます。

確かにバックビート時代は素晴らしいという意見に異論はありませんが、この時代の音源がようやくCDで普通に出回って聴けるようになったのは、実はつい最近の事で、個人的にはそれ以前から十分な「凄さ」を教えてくれたハイ・レコード時代のアルバムに並みならぬ愛着を感じております。や、親方がシャウトしてスクリームすれば、それがいつの時代の音源であろうが、バックが何だろうがそりゃもう最高なんですが。

で、そんなバックビートにはデビュー後の1965年から1974年まで所属しておりましたが、なかなか大ヒットを出せず、しかもそのプライベートに様々な問題を抱えていたO.V.は、バックビートが倒産し、大手ABCに会社を売却した1975年に2枚のシングルを出した後に契約を解除されております。

実は73年から75年まで、例によって麻薬で逮捕されて刑務所に居たんですね。

逮捕され、レコード会社からの契約も解除され、身体には未だ麻薬中毒から抜け出せないという三重苦を抱えていて、ほとんど”もうダメな状態”にあった1976年、メンフィスにあるハイ・レコードがO.V.を拾う形で契約を取り付けております。

肉体的にも精神的にも、恐らくこの人は最期まで立ち直ることは出来なかったと思うんですが、マイクに向かった時は別人だったと、多くの関係者が証言しております。

ハイというレーベルは、南部メンフィスにありながら、独特のメロウな洗練されたサウンドが売りのレーベル。

ゴスペル上がりのR&Bシンガー特有のワイルドネスを持った、O.V.親方のヴォーカル・スタイルというのは、実はこの洗練された70年代型のサウンドとは水と油だったんです。

しかし、久々のレコーディングで意欲に燃えていた親方の気迫がそうさせたのか、移籍第一弾の「イントゥ・サムシン」は並々ならぬ完成度の高さと、メロウネス溢れるハイ・サウンドと魂のヴォーカルが奇跡の融合をこれでもかと聴かせてくれます。



【収録曲】
1.イントゥ・サムシング(キャント・シェイク・ルース) 
2.アイ・フィール・ラヴ・グロウイン 
3.プレシャス・プレシャス 
4.ザ・タイム・ウィ・ハヴ 
5.ユー・ガッタ・ハヴ・ラヴ 
6.トライング・トゥ・リヴ・マイ・ライフ 
7.メドレー:ゴッド・ブレスト・アワ・ラヴ〜男が女を愛する時〜ザッツ・ハウ・ストロング・マイ・ラヴ・イズ


ピアノだけをバックに、切々たるほぼアカペラのヴォーカルから、ファンキーなバンド・サウンドが入った瞬間にゴキゲンなミドル・アップのテンポでグイグイ攻めるオープニングの「イントゥ・サムシング(キャント・シェイク・ルース)」で、もう”決まり”であります。

本人曰く『ディスコ・サウンドを取り入れた』と語るアルバムですが、どんなにテンポアップしても、どんなにバックが華やかでも、声の切実度が常にメーター振り切っている親方の歌唱に、ディスコの(良い意味でも悪い意味でも)あの軽薄さはありません。

この一曲でガッツリ聴き手の心を沸点に高めて「ア・フィール・ラヴ・グロウィン」「プレシャス・プレシャス」「ザ・タイム・ウィ・ハヴ」と、たたみかけるバラードで、一気に天国の階段の最上段まで持って行く。そしてラストのソウル史上に残る名唱「ゴッド・ブレスト・アワ・ラヴ〜男が女を愛する時〜ザッツ・ハウ・ストロング・マイ・ラヴ・イズ」の12分にも及ぶ感動の嵐。

このメドレーはですね、アル・グリーン、パーシー・スレッジと、彼が目標としたシンガーの代表曲を歌って最後に、自分自身のデビュー曲をかますんですよね。曲と曲、それぞれのクライマックスからサビの凄さ、そりゃもちろんですが、この時親方の心に去来した想いは一体どんなだったろうと思うと胸の熱が止まりません。

とりあえず親方の作品に”これはハズレ”というのはございませんが、これ以降恐らく体調の悪化により、歌い方をメロウなものにシフトしてゆくO.V.の、これは最後の絶頂を記録したものであると共に「ソウルと呼ばれた音楽」その輝きの一番最後の方の、儚く美しい瞬間を刻んだものであると思います。

いや、もう何か泣けちゃって、このレビュー多分文章になってないです。







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2017年11月16日

ザ・ビートルズ・クリスマス・レコード(7inch)

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The Beatles Christmas Record(7inch Box)

(Apple)


いやもうアレですよ、もんすごーーーーく長い夏が終わって、やれやれ秋だねぇなんて言ってる間もなく、すっかり11月も後半です。

これはもうアレですよ、アレの準備をしなければいけません。都会など、早いところではもうすっかりアレを前面に打ち出して派手にやってると言いますからね。

そう”アレ”です。何がアレかというとクリスマスです。

そう、もうそんな季節なんですよーー!(汗)

えぇとですね、毎年この時期になると追われてしまいますね。

そう、このブログの”クリスマス特集”では、世にあんまり知られてない面白くて音楽的にも充実したクリスマス作品を、ジャンルを問わず紹介しよう!

と、気合いを入れてますが、今年の一発目はビートルズです。





ビートルズみたいな超有名バンドのクリスマスだと?そんなのメジャー過ぎて面白くねぇぞ!

と、お思いの方もいらっしゃるでしょうが、実はビートルズは物凄く有名なバンドでありながらクリスマス・アルバムを出しておりません。

しかし、そこはやっぱりビートルズでありまして、ファンクラブ向け”だけ”に、クリスマスレコード(7インチ盤)を出しておったんですね。

アタシはレコード屋で働いていて、そのファンクラブ向け7インチの現物は見たことないんですが、もし出回っていたら恐らく凄まじい高値になるだろうというオソロシイ話は聞いたことあります。

それが何と、今年は当時の仕様そのままの7インチアナログレコードで初めて販売されるというんです。

ビートルズは1962年にシングル『ラヴ・ミー・ドゥー』でデビュー。翌1963年にアルバム『プリーズ・プリーズ・ミー』をリリースしております。

で、デビューしたその年の1963年から、解散直前の1969年まで、毎年ファンクラブ向けの「クリスマス特別レコード」を配布しておった。

内訳は以下の通りです↓


1963:The Beatles'Christmas Record
(Recorded:17 October 1963 - Studio Two, EMI Studios, Abbey Road, London)

1964: Another Beatles Christmas Record
(Recorded:26 October 1964 - Studio Two, EMI Studios, Abbey Road, London)

1965: The Beatles' Third Christmas Record
(Recorded:8 November 1965 - Studio Two, EMI Studios, Abbey Road, London)

1966:Pantomime - Everywhere It's Christmas: The Beatles' Fourth Christmas Record
(Recorded:25 November 1966 - Dick James Music, New Oxford Street, London)

1967:Christmas Time (Is Here Again): The Beatles’ Fifth Christmas Record
(Recorded:28 November 1967 - Studio Three, EMI Studios, Abbey Road, London)

1968: The Beatles' Sixth Christmas Record
(Recorded:1968, various locations)

1969:The Beatles' Seventh Christmas Record
(Recorded: 1969, various locations)


内容はどれも「ファンクラブ通信」みたいな、思いっきり砕けたやつで、あぁ本当にアイドル的人気だったんだなぁと、お祭り気分と共に楽しめる感じであります。クリスマスのために気合い入れて歌を作りました!とかそういうのではとりあえずないですが、こういうのファンはたまらんですな。

で、今回は7枚のシングル全てが復刻した上に、専用ボックスケースとブックレットが付きます。

こういうのはもう「祭り」なのでとことん楽しんじゃいましょう♪

発売は12月15日ですが、予約は早めがいいと思います。例の如く絶対早く売り切れます。




あ『ビートルズでクリスマス』といえばコノ人達↓



ビートルズの有名曲を全て完璧にクリスマス・ソング化する、というオソロシイ完コピバンドの名盤ですので、ビートルズ好きな方はぜひともこっちも聴かれてみてくださいな♪

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2017年11月15日

マハヴィシュヌ・オーケストラ 火の鳥

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マハヴィシュヌ・オーケストラ/火の鳥
(SMJミュージック)

そんな訳でジョン・マクラフリンです。

この人はもうアレですよね、全ジャンル合わせた多数のギタリスト達の中で

”スーパーギタリスト”

と、呼ばれるようになった、その元祖とも言える人でありましょうね。

一応ジャンルでいえば『ジャズ』のカテゴリに属してはおります。

でも、その活動は幅広くて、マイルスのエレクトリック・バンドでギンギンにロックなギターを弾いてたかと思えば、ソロではフュージョンの草分け的なことをやりつつ、インド音楽にドップリはまったり、パコ・デ・ルシアやアル・ディメオラとかとフラメンコ・ギターなことをやったり、ガットギターに内蔵シンセを仕込んで、ちょっと独特の音楽やったり(アタシはこれを”爽やか曇天サイケ”と呼んでおりますなぁ)、まぁ実にジャンルでは括れない人です。

とにかく「あ、これやろう♪」と思ったら、考えるより先にプレイしちゃうタイプなんでしょうね。

でも、どの方向に行っても、そのいずれのスタイルでも、もれなくガチな超絶技巧でギターを弾き倒してくれるので、節操がないと思ったことはありません。むしろあらゆる音楽に対してギター一本でボコボコにしに行くというか、どんな音楽だろうがオレのギターを聴かせるためのものであるという風に、どちらかといえば躊躇とか容赦とかいうものがない人だと思います。

故にジョン・マクラフリンって人は”スーパー・ギタリスト”なんですねぇ。音楽を聴く時は「今日はジャズを聴くぞ」とか「ブルースを聴くぞ」とか「激しい曲が聴きたい」とか「いいえ、しっとりしたいわ」とか、そういう風にジャンルや雰囲気でセレクトしたりすることが多いんですが、ジョン・マクラフリン聴く時は「あ、今日はジョン・マクラフリンのギターにボコボコにされたいな」と、みんな思って聴くんです。

ジョン・マクラフリンが異様な手数で煮えたぎった音符を空間に放てばそこにはもうジャズとかロックとか、微妙な情緒とかムードなんてものは存在しない。ひたすらに「ジョン・マクラフリンのギターが鳴ってる場所」というものになってしまい、他のものが入る余地は1ミリもなくなる。怖いですね。でもそういう圧倒的な存在感そのもので演奏を聴かせてしまう人って、実はそういるもんじゃあないんです。故にジョン・マクラフリンって人は”スーパー・ギタリスト”なんですねぇ(二回目)。

色んなメディアがその超絶技巧を絶賛しながら紹介する人でありますが、やはりその独自の世界を無理矢理力づくで切り開いたそのスタイルは、やはり言葉で説明するのは難しいんでしょう。特に90年代は”フュージョン”という枠で紹介されることの多い人だったんで、んで、その頃のアタシといえば

・フュージョン=爽やか

という偏見を勝手に持っていたので「フュージョンかぁ・・・」とナメていたのは事実です。

それを最初に打ち壊してくれたのが、マイルス・デイヴィスの『ジャック・ジョンソン』というアルバムで、その中でギンギンに歪んだ音で、多分マイルスに「やめろ!」って言われるまで止める気がないぐらいの勢いでギンギンにロックなソロを弾きまくっていた不良なギターに側頭部を撃たれてしまい、それがジョン・マクラフリンだよと知ってから、ちょいとばかり考え方が変わり、2発目に今度は後頭部を強打されて思わず「すいませんでした」と言ってしまったのがコレです↓



【パーソネル】
ジョン・マクラフリン(g)
ヤン・ハマー(key)
リック・レアード(b)
ビリー・コブハム(ds)
ジュリー・グッドマン(vln)

【収録曲】
1.火の鳥
2.マイルス・ビヨンド(マイルス・デイビス)
3.天界と下界を行き交う男
4.サファイア・バレット・オブ・ピュア・ラヴ
5.サウザンド・アイランド・パーク
6.ホープ
7.ワン・ワード
8.サンクチュアリ
9.オープン・カントリー・ジョイ
10.リゾリューション


これはジョン・マクラフリンが1973年、マイルス・デイヴィスの薦めで結成した自分のバンド”マハヴィシュヌ・オーケストラ”の2枚目のアルバムです。

オーケストラと言いながら編成はギター、キーボード、ベース、ドラム、ヴィオリンと、意外や小編成なんですが、はい、マクラフリンのギターと、ビリー・コブハムのドラムがですね、同じ楽器の演奏者3人分ぐらい手数多いしうるさいので、たった5人の演奏とは思えない重厚で激烈な”音の洪水”いやむしろ”手数の大炎上”を聴き狂うことが出来ます。

もちろん大人しく4ビートなんかやる訳もなく、最初からギターはディスト―ションガンガンだし、チョーキング撃ちまくりだし、この時代出たばかりのシンセで色んな音を出してはっちゃけてるヤン・ハマーは何となくマッド・サイエンティストな感じするし、ギターに寄り添うように上手く即興のソロに合いの手を入れたりフレーズをバトンタッチして美しいメロディを奏でてると思いきや、暴走するギターに合わせていつの間にか危ない展開まっしぐらのヴァイオリンもかなりキてるし、ジャズ、ロック、ファンク、それから多分インド音楽の即興からこれ、多くの影響を受けてると思うんですが、メジャーでもマイナーでもない奇妙奇天烈なフレーズが、あっち行ったりこっち行ったり、変拍子でぶった切られてはまたうにょうにょ増殖して、何つーかプログレの鬼みたいに激しいやつみたいな展開だし、で、一番大事なのはここなんですが、ビリー・コブハムのドラムがとにかくうるさい(笑)。

最初から最後まで、聴き手をホッとさせるような展開がまったくないんですよ。とにかく押して押して、叩いて叩いて弾き倒す。その力技極まりない全楽器の超絶技巧のフル爆発が、聴く人の意識を無理矢理何とも言えない快感の高みへかっさらっていくんですね。

だから音楽としてはジャズとロック、プラス何かの融合であるところの、正しい意味でのこれは”フュージョン”ではあるんですが、アタシがこの演奏と似たようなエネルギーを感じるのは、実はジャズでもプログレでもない、メタリカです。「メタル・ジャスティス」辺りの、凄まじいエネルギーの爆発と、考え尽くされたアレンジの奇跡のバランスで鳴り響いている音楽であるところのアレです。聴く時はくれぐれも爆音で。



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2017年11月14日

ジャック・ブルース Things We Like

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ジャック・ブルース Things We Like
(Polydor)


ごめーん、今日もジャック・ブルースです。

そしてごめーん!

これ最高です。

1968年、クリーム解散直前にジャック・ブルースが各方面に「ジャズやろうぜ」と声を掛け、「おう、いいぜ」と、ジャズとプログレッシブ・ロックの面々が集まって出来た、ブルースロックの”ブ”の字もなければクリームの”ク”の字もない、純度限りなく100に近い、気合いの入ったジャズ・アルバムなんです。

1960年代のイギリスのロッカーといえば、十代の頃はスキッフル・バンド(アコースティックでトラディショナル・ジャズやフォークソングを演奏し、歌う音楽)を経験し、その後ブルースやR&Bなどアメリカの黒人音楽に衝撃を受けて、エレキギターでブルースやR&Bのカヴァーをするバンドを結成するというのが、ひとつの王道なパターンだった訳ですが、クリームの場合はクラプトンはご存知の通り”ブルース少年からロッカー”のど真ん中におる人で、でもジャック・ブルースとジンジャー・ベイカーは、クリーム以前、グレアム・ボンドという人の、ホーンなんかも入ったかなりジャズ寄りのR&Bバンドが、そのキャリアのスタートでした。

このバンドのリズムというのが、ブルースのシャッフルやロックンロールの8ビートだけではなく、ジャズのチーチキ、つまり4ビートやラテン・ビートなんかも色々と使っている、なかなか画期的なバンドでありまして、何が言いたいのかと言うと、ジャック・ブルースとジンジャー・ベイカーという人達は、最初から英国ロックの王道な流れとは若干毛色の違う”ジャズ”という感覚に、割と早くからドップリだった人達だったんです。

あ、でも、このグレアム・ボンドのバンドでは、ジャックとジンジャーはものすごく仲悪くて、クリーム結成も、実はかつての不仲を知る周囲からは「アイツら仲悪かったよな?大丈夫かぁ!?」と散々心配されていたようなんですが、・・・結果は言わずもがなですね(汗)。

はい、余談はこれぐらいにして、とにかくジャック・ブルースは、そのソロ作品には常に「ロックの”当たり前”には収まらない音楽性の広さ」と感じさせます。なかんづく”ジャズ”というキーワードは、ジャックを語る時に外せない重要なワードなんですが、この「Things We Like」には、全編インスト、全編ウッドベースでガッツリJAZZをやっている、ジャックのある意味原点がかいま見られるアルバムであります。

実は録音年月日は、ソロ第一作目の『Songs for a Tailor』の前年の1968年ですが、発売が後だったんですね。だから実質ファースト・アルバムなんじゃないの?とも訊かれたことがあったりするんですが、このアルバムはジャック・ブルースのソロ作というよりも、イギリスの、ジャズの心得のある若手ミュージシャン達が集まって、特定のリーダーを決めずに行った自由なセッション・アルバムと言えるでしょう。

セッションに集った面々は、下の【パーソネル】にも記入しますが、まずウッドベースのジャック・ブルース、ギターのジョン・マクラフリン、サックスにディック・ヘクトール=スミス、ドラムにジョン・ハイズマンであります。

ジョン・マクラフリンは後に渡米してマイルス・デイヴィスのバンドや、トニー・ウィリアムスのライフタイム、そして自身の”マハヴィシュヌ・オーケストラ”などで70年代以降のジャズ・ギター界を代表するほどのビッグネームになりました。そうなんです、実はイギリス出身で、このセッションの直後にアメリカに渡っておるんです。

で、ディック・ヘクトール=スミスにジョン・ハイズマンといえば、これはもうプログレファンにはおなじみの”コロシアム”のメンバーですね。

プログレッシブ・ロックというのは、知らない人にとっては何だか頭のいい人達がやっている難しい音楽とか、サイコでおどろおどろしい音楽とか思われるかも知れませんが、元々はジャズ・バンドをやっていた連中が「じゃあ俺達もジャズをベースにしたロックをやるべ!」と、ジャズをベースにロックの色んな要素を掛け合わせたような音楽がベースなんですね。

だから全然難しくないし怖くもないよ〜ということを言いたいんですが、その中でもコロシアムのオリジナル・メンバーであるジョンとディックの2人は、元々イギリスのブルース・ロックの走りと言われるジョン・メイオールのブルース・ブレイカーズにも参加していた面々で、そういう意味で非常にキャッチ―な”掴み”に溢れたプレイも出来る人達です。

で、こんなグレイトな(や、よく分かんない人ごめんなさいだけど、後の各分野での活躍ぶりを知ってる人から見たら、これはあり得ない豪華顔合わせなんですよ)面々が、どうして集まったかというと、実はさっきちょこっと言った”グレアム・ボンド”の関係者なんですね。

マクラフリンとコロシアム組の2人共、グレアム・ボンドのバンドで演奏していた時期があって、ジャックともその頃から絡みがあったんです。いうなればこのアルバムは”グレアム・ボンド・バンドの同窓会的セッションであり、1960年代末期のイギリスで最もホットなジャズの記録でもないかしらと、聴きながら毎度アタシはワクワクします。






【パーソネル】
ジャック・ブルース(b)
ジョン・マクラフリン(g)
ジョン・ハイズマン(ds)
ディック・ヘクトール=スミス(ts,as)

【収録曲】
1.Over the Cliff
2.Statues
3.Sam Enchanted Dick Medley: Sam's Sack/Rill's Thrills [Medley]
4.Born to Be Blue
5.HCKHH Blues
6.Ballad for Arthur
7.Things We Like
8.Ageing Jack Bruce, Three, from Scotland, England



実に素晴らしいのはメンツだけではなくてやっぱり中身です。

演奏の方も実にそれぞれのプレイが個性的で、これがいわゆる「オーソドックスなアメリカのジャズの真似事」で終わっていないんです。

パッと聴いて「あ、面白いなぁ〜」と印象に残るのは、フツーに渋いフレーズも吹くけど、基本ひねくれて、よじれまくって、どこにすっ飛んで行くか分かんないフリーキーでアナーキーなディックのサックスと、アンプをガンガンに歪ませて、遠慮なく”オレが感じるロック”を、ジャズなフレーズの中に後先考えずガンガンぶち込んで、もう攻めに攻めるギターで楽しませてくれるジョン・マクラフリンのギターですよね。

全体的に60年代フリー・ジャズの不穏さ、不健全さに大きく影響を受けた実験的な香りがムンムン漂ってはいるんですが、キメのメイン・フレーズや、ディックが要所要所で披露するローランド・カークばりの”サックス2本同時吹き”に、特有の大道芸的な陽気さ「実は俺達、楽しみながら不健全やってんだよねー」みたいなカラッとした磊落さを感じます。

で、ジャックとドラムのジョン・ハイズマンは何をやってるのかというと、派手にやらかしているサックス&ギターのバックで、真面目に黙々と”コイツらがちゃんと暴れやすいように”と4ビート刻んでるんです。

や、バンバンボンボンとかなり手数多めにジャックは派手なアドリブをかましてるし、ハイズマンのドラムは実に知的で切れ味鋭くて、これもフロントに呼応しながら自由自在にリズム・パターンを変化させておるんですが(この辺は流石元祖プログレのバンドリーダーですよ)、その仕事ぶりがとても真面目で誠実なんです。

ジャックのベースは暴れてなんぼと、アタシは思ってますが、このアルバムで実は一番の聴きどころは、サックスやギターのソロが佳境に入ってブチ切れ気味になる一歩手前の時にフツーの4ビート刻んでるとこだったりします。

それにしても、これだけ見事にジャズしてるのに、やっぱり他のアメリカのジャズと聴き比べてみたら凄く特有の”ロックフィーリング”みたいなのがあって、それが気持ちいいんですよね。何がどうロックなのか?それを考えると結局雰囲気としか言えないからもどかしいのですが、敢えて言葉にするならば「ジャズのフォーマットの中で、ロック的な自由闊達なやりとりが成立してる」ということになるでしょうか。や、ジャック・ブルースという人は聴けば聴くほど奥が深いです。






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2017年11月11日

ジャック・ブルース Songs for a Tailor

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ジャック・ブルース Songs for a Tailor
(Polydor)

今日11月11日は”ベースの日”です。

大体アタシは年がら年中甘いもののことばかり考えているような人間ですので

「え!?11月11日はポッキーの日じゃないの!?みんなでシェアハッピーしようよぉ」

としか思っていませんでした。

ほらお前のそういうところよ!

と、いつも言われるんですが、皆さんどうもこんにちは。

いやぁ、今日はベースの日ですねぇ、ずっと前からアタシはこの日に何をレビューしようかと、実はずっと考えていたんですよ〜(今更感)。

で、何で11月11日はベースの日なんだと言いますと、「1」という数字を弦に見立てて、これが4本並んでいるのが、丁度弦を張ったベースみたいでよろしいと。

あ、ベース業界の方すいません、今、ちょっとバンジョー業界とウクレレ業界の方からクレームが来てるようなんで、そこ対応しといてください。はい、すいませんねぇ。

今日は朝からそんな感じで、音楽好きが集まるネットでは、それぞれが好きなベーシストについてアツく語ったり、音源をシェアしたり、いい感じに盛り上がっているようでございます。

うん、好きなベーシスト?いっぱい居過ぎて「この人が最高!」と絞れる訳なんてないのですが、ベースと聞いて真っ先に一人、ポーンと思い付く人はおります。

それがこの方、ジャック・ブルースです。


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ジャック・ブルースといえば、言わずと知れた英国ロックのスーパーバンド、クリームのベーシストでありヴォーカリスト。その3ピースという最小の編成から放たれるポップな楽曲にパンチの強い即興性を宿した演奏の中心となっていた御仁です。

クリームを知った十代の頃は、やっぱりエリック・クラプトンのギター・プレイを必死で聴いていたので、実はその時はジャック・ブルースという人の凄さに関しては全く気付きませんでした。それどころかクリーム聴いていて、ジャック・ブルースとジンジャー・ベイカーに関しては「クラプトンのバック」ぐらいに思っていたんですね(ついでに白状してしまうと、ヴォーカルも全部クラプトンだと思ってました。嗚呼!)。

ジャック・ブルース、本当にカッコイイなと、いきなり思ってしまったのが、20代になったある日、雑誌で知ったアメリカン・クラーヴェ(ニューヨーク在住のラテン系の人達によるアンダーグラウンドなジャズその他いろいろをやっているレーベル)のいくつかのアルバムに、何とあのジャック・ブルースが参加しているよという文章を何かで読んだ時でした。



正直期待はしてなかったです。アルバム買った動機も「何だかいい感じにアヤシゲなラテンジャズのレーベルに、デヴィッド・マレイとかアート・リンゼイとか、おお、スティーヴ・キューン・トリオの変態ベーシスト、スティーヴ・スワロウも参加しているではないか!」というものでしたから。

しかし、このキップ・ハンラハンという人(アメリカン・クラーヴェのオーナーでありバンドリーダーっす)の「ヴァーティカル・カレンシー」で

『ぬはぁ!ジャッッッッッック・ブルーーーース、すげぇえぇ!!』

と、興奮して以来、すっかりアタシはハマッてしまい、幸いその当時の職場には、ロック先生がたくさんいらしたので、ちょいと興奮気味に話をしたら

・ジャック・ブルースは最初からロックのカテゴリに収まらない幅広い音楽性を持っていたからナメるな

・特にソロになってからはどのアルバムも見事に方向性が違う、ここをナメるな。

・キップ・ハンラハンと組んだヤツは、どれもジャックの幅広い音楽性に合った素晴らしいアルバムばかりだからナメるな。

・ジャズとかR&Bとか色んなジャンルに手ぇ出してるけど、ベースの音そのものはクリーム時代のブリブリゴリゴリから全く劣化してないことをナメるな。

と、色々と教えてもらいました。

アタシの中では、元々ロック畑、そしてブルースにバリバリ影響を受けたスタイルから始まって、クリーム解散後にソロ活動の中で色んなジャンルのミュージシャン達と出会い、音楽の幅を拡げていったのかと思ったら、実はそうではなく、クリームの時代からかなりジャズに影響されたスタンスでベースは弾いていたんだと。

それからジャック・ブルースとジンジャー・ベイカーによる、即興のインタープレイのどうとかいう、やや難しい話になってきたので、ポカーンとしてたら

「まぁまぁ、とりあえずクリーム解散直後にリリースされたジャックのファーストを聴きなさい」

とのことでした。



【収録曲】
1.Never Tell Your Mother She's Out of Tune
2.Theme from an Imaginary Western
3.Tickets to Waterfalls
4.Weird of Hermiston
5.Rope Ladder to the Moon
6.Ministry of Bag
7.He the Richmond
8.Boston Ball Game 1967
9.To Isengard
10.Clearout
11.Ministry of Bag(Demo Version)
12.Weird of Hermiston(Alternate Mix)
13.Clearout(Alternate Mix)
14.Ministry of Bag(Alternate Mix)


これ凄いんですよ。

いきなり16ビートのどこのソウルバンドか!と思わせる曲から始まって、サザンロックなバラード、アコースティックでいかにもブリティシュ・フォークな曲、骨太なロックンロール、プログレなどなど、1枚のアルバムに、本当によくこれだけ詰め込んだなぁと思えるぐらい豊かで幅広い音楽が、何の不自然も作為もなしに、センスよく収まってるんですよね。

で、こう書くとジャックのベースは大人しくなって全体の調整に回ってるんだとうかと思いますが、プレイそのものは見事に逆で、どの曲でもこの人特有の、ガリガリゴリゴリしたミドルの効いた音で、クリーム時代以上にブリブリ弾きまくっておるのです。

しかも、16ビートのソウル/R&B系の曲でのベース・ラインなんか聴くと、いわゆる黒人ベーシストの軽やかに跳ねてゆくようなノリと全く違って、全力でぶつかりながら強引に山とか越えてゆくような、かなりやんちゃでロックな気骨の感じるやり方で、聴いていてすこぶる気持ちがいいんですよ。

ジャックは2015年に亡くなるまで、とにかく色んなセッションに顔を出し、その都度色んなことを試みていて、ソロ名義のアルバムは実に20枚以上に及びます。

ベーシストっていうのはよく「後ろからバンド全体を見ているからバンド解散後はプロデューサーとして成功する人が多い」なんて言われますが、ジャックの場合はやっぱり自分が楽器持って、絶えず変化している音楽の最前線でハジケていたかったんでしょうね。つくづく根っからのベーシストだと思います。そしてその姿勢って死ぬほどカッコイイです。




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2017年11月10日

渦 ジャズとペプシ

昨日はちょいとお昼に時間があったので、窓を開けて寝ておりましたら、日差しが強くて何か顔がジリジリ熱い!というので目が覚めてしまいました。

・・・ほんとにね、もうね、11月ですよ奄美。

そんなことはどうでもよろしい、アタシは今日もそんなバテバテにめげずにグッド・ミュージックを紹介います。

ここんとこアレですね、秋なので感傷モードに入ってしまってピアノばっか聴いておりましたら、心の中に「あぁぁ!ロック聴きてぇ!!」という衝動が湧き上ってまいりました。いいぞいいぞ、で、何聴くよ?

と自問してみたら、導き出された答え

「うん、ロックつっても60年代とか70年代のクラシックスからちょいと離れて、最近の日本の、活きのいいバンドが聴きたいな。何つうか、こう青い勢いがあるような、そういうイカシたやつ」

ほうほう、青い勢いですかぁ。普段ロクなこと言っていないアタシですが、たまにはいいことを言うもんですな。

そんな感じで自分に感心しながら、最近のインディーバンドの音源などを「あれもいいこれもいい」と鑑賞していた折、特に心にグッときたのがコレ



あの〜”エモい”って言葉あるじゃないですか。

その言葉、今どんな意味で使われてるか、おじちゃんはよくわからんのですが、多分アタシの解釈では

「エモーショナルで内省的な、そこはかと哀愁漂うことがら」

だと思っとるんですね。

それって、そのまんま日本のロック、特に2000年以降のロックバンド達が出す音そのものだと思うんです。

で、今日ご紹介するのは”渦”というバンドです。

2015年に都内で結成されて、翌年に5曲入りミニ・アルバム『ジャズとペプシ』をリリースして、さっきの動画は今年、つうかつい来週の11月12日に(注:2017年現在)にリリースされる予定の4曲入り『ゴーグル2』
より最新の曲(「トレイラー」)なんですが、これ、いいですよ。シングルコイルのキラキラした鳴りの2本のギターが幻想を淡く紡いでゆく、パステルなサウンドカラーに繊細なヴォーカル、粘りのある音でキッチリビートを提供しながら、でもしっかり小技を効かせているベース、そして演奏の中心にドッシリあって、素晴らしくパワフルな、芯の座った音のドラム。

ほとばしるのは、淡く甘酸っぱい空気と、音楽が好きでたまんなくなって演奏をやっているその勢い。あぁ、いいねぇ、音楽ってこうだよねぇと、ジャンルやスタイルとかそういうもの以前にクッと胸が熱く押されるあの感じ。



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【収録曲】
1.ソーリー
2.愛しのインディーガール
3.ドルフィン
4.ジャズとペプシ
5.オバケは走る


実はアタシ、去年この「ジャズとペプシ」を入手して以来、ジャズを聴いてブルースのCDをセットするまでの合間に、60年代から90年代の洋楽ロックを聴いてる合間に、そう、合間合間に挟んでよく流していました。

ピュアな衝動と、優しい歌詞の世界観が、どの音楽ともすごく合うことに、ちょいとビックリ♪

”渦”現在都内中心にライヴもガンガンやっております。

イベントの情報やCDのご案内はコチラ↓の公式ページからどうぞ!
https://banduzu.jimdo.com/














『音のソムリエ 高良俊礼の音楽コラム』

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2017年11月08日

スティーヴ・キューン・トリオ スリー・ウェイヴス

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スティーヴ・キューン・トリオ/スリー・ウェイヴス
(Contact/Solid)

さて、本日は良い感じに秋の雨がしとしとと降っておりますので、引き続き”アタシの大好きな美しいジャズ・ピアノ”をご紹介致します。

あのですね、えっとですね、アタシには「雨の日はこの人を聴くぞ!」というピアニストがおりまして、それがスティーヴ・キューンという人なんですね。

コノ人との最初の出会いは、ECMというドイツのレーベルに興味を持ったことから始まります。

このレーベルは、それまでアタシが慣れ親しんでいたアメリカのジャズとは明らかに質感の違う、いかにもヨーロッパな、しんとした空気の静寂感と、ミュージシャン達による美学の結晶のような、どこまでも繊細で透明な演奏がとても魅力でした。

有名どころではキース・ジャレットの『ケルン・コンサート』とかチック・コリアの『リターン・トゥ・フォーエヴァー』とか、その辺がありますが、アタシの場合は上記2枚他キース・ジャレットの繋がりで色々と知らないアーティストのアルバムを買い集めていって、クラシックの作曲家、アルヴォ・ペルトという人の『アリーナ』という、それまで聴いたことのなかったような無駄のない美と安らぎに満ちた究極の一枚を知ってからというもの、すっかりECMに夢中になっておりました。


(静謐なものが好きな方はぜひともこのアルバムを一度は聴いてみてください)


そんなこんなでスティーヴ・キューンの『リメンバリング・トゥモロウ』というアルバムと出会う訳です。

モノクロの、何の風景か分からないようなポートレイトが、いかにもジャズっぽくなくて、何かありそうな気がしてふと手にしただけだったんですが、そこで聴いたピアノは、いわゆるモダン・ジャズの演奏スタイルからハッキリと”違うどこか”に立脚している、すこぶるクールで研ぎ澄まされた美を感じさせるものでした。




ビートは現代的な感じで、ピアノのフレーズは銀色の抽象画を観ているような、音楽で確実にここではない幻想的な世界を描いているキューン。

で、その後にアート・ファーマーの『ブルースをそっと歌って』。こっちはアート・ファーマーというバリバリに王道なモダン・ジャズ・トランぺッターのバックで、端正な”ジャズ”の4ビートで上品にバッキングしていると思ったら、突如キレて雪崩を起こしたり、冷静にトランペットのソロを引き立てながら、よくよく聴くとかなりトンガッたことをやっている(でも、パッと聴きはとてもエレガントに思える)このピアノ・トリオが、スティーヴ・キューン(p)、スティーヴ・スワロウ(b)、ピート・ラ・ロカ(ds)という、最初期のスティーヴ・キューン・トリオだということを知って、これはもう運命だから、覚悟を決めてこの人の音楽と付き合うしかない。そこまで思いました。

時は1990年代後半、丁度タイミングのいいことに、我が国のヴィーナス・レーベルからも何枚か趣味のいいピアノ・トリオ・アルバムを立て続けにリリースしていたこともあって、”スティーヴ・キューン”という名前はすぐに覚えることが出来ました。

気になったら調べ上げねばならない性格でありますので、バイオグラフィ的なことも本で調べたら、

・1938年ニューヨーク生まれのニューヨーク育ち、ヨーロッパ人だと思ったらバリバリのニューヨーカー

・小さい頃からピアノを習っていたけれど、バリトン・サックス奏者、サージ・チャロフ(ジャズマンよ♪)のお母さんのマーガレット・チャロフという人に習っていたことから、早くからジャズに目覚める。

・10代の頃にはクラブで演奏していたコールマン・ホーキンスやチェット・ベイカーなど、ジャズの”正統派な人気アーティスト”達と共演するなど、実は根っこにはスウィング〜モダンの王道ジャズが深くある。

・このまんまプロとして”趣味良くスウィングする若手白人ピアニスト”としてデビューしても良かったけど、何故か勉強に励み、ハーバード大学に入学して卒業している。理由は「文学を勉強したかったから」。

・卒業後は恐らく文学に毒されたんだろう、1950年代末にオーネット・コールマンやドン・チェリーなど、当時”前衛”と呼ばれていたフリー・ジャズ系ミュージシャンとコンサートで共演。多分感触は良かった。本人も「人とは何か違うスタイルを打ち立ててやろう」と大いに思った。

・で、今度は「革新的なスタイルで常識を打ち破る若手前衛ピアニスト」となるつもりが、スタン・ゲッツ、ゲイリー・マクファーランド、ケニー・ドーハム、ジョン・コルトレーン、アート・ファーマーと、やっぱり当時の王道をゆく大物達のグループに渡り歩いている。

・と、思いきや、スタン・ゲッツ、ジョン・コルトレーンのグループには、入ってすぐに数回のセッションでクビになっている。色んな話を総合すると「やっぱりサイドマンでありながら”何かを美しくブチ壊してやろう”という衝動が勝ってしまい、リーダーの指示に従わなかった」ことが原因らしい。ケニー・ドーハムはよくわからんが、アート・ファーマーはぶっちゃけいい人だったから、アルバムでも割と好きにさせた。その結果が『ブルースをそっと歌って』でのはっちゃけ。

はい、この人の前半生を一言でいえば”ニヒルなインテリの生き方”そのものでしょうね。

何だか音を聴いてバイオグラフィーを読むと、自分の中に表現のコアみたいなもんが、割と早いうちからあって、その中に絶対的な美を見出そうとして突き進んでいた。その突進はちょっとやそっとでは止まらずに(てか止まれずに)、バンドリーダーなどとはそのことが原因で対立したり、問答無用でクビになったりしたけれど、それぐらいでは僕の美への探究は収まらないんだ。なぜなら美しいものが全てだから。こんな感じでしょうね。

表現のために妥協をしない、そういうタイプですので確実に孤独に陥りがちなタイプなんですが、彼には同じような性質を持つ、心強いお友達がおりました。

それが、最初にトリオを組んだドラマーのピート・ラ・ロカたんです。

ラ・ロカについてはもうアタシ、大好きであちこちに書いてますけど、それはともかく彼もまたハッキリとそれと分かるクセを持っている人でした。で、自身も後に司法試験に受かって弁護士になるよーな人でありますので「ボクは曲げないぞー、自分に自信があるから」というような気持ちで、相手がどこの誰であろうが、ドラム・スタイルを変えなかった人ですね。

それがたまたまピタッとハマッたのがドン・フリードマンの『サークル・ワルツ』。ハマらなかったのがコルトレーン・バンドでの活動でしょう。

そう、キューンとラ・ロカは、共にコルトレーンのバンドに参加しましたが、参加してほんの少しで、キューン、ラ・ロカの順番であえなくクビにされてるんです。

これは彼らがヘタクソだったとか、センスがなかったからでは決してなくて、ワン&オンリーな自分の世界観を共に作っていけるメンバーが欲しかったコルトレーンとの相性の問題だったと思います(実際ラ・ロカとコルトレーン唯一の共演盤は、噛み合ってないけど演奏は最高にアツいもんね♪)。


で、コルレーンのバンドをクビになって、バーのカウンターで

「ロカ、君もクビになったのか」

「うん、そうだね。ライヴの後コルトレーンにさ”ピート、ちょっと話がある”って言われるから言ったらさ”分かるかい?俺は君の目指してるのとは違う音楽がやりたいんだよ”なんてジョンはモゴモゴ遠回しに言うんだ」

「そうか、奇遇だねぇ。僕ん時もそうだった。で、君何て言ったの?」

「しょうがないから”僕はスタイルを崩すつもりはありません”って言ったんだ。そしたら”そうか、わかった”つって、カウンターに僕の分のギャラとドリンク代を置いてそれっきりさ」

「一緒だね」

「うん、一緒だ。でもスティーヴ、ジョンがやりたい音楽をやりたいって言うんならしょうがないよね。思うに彼には僕の鋭角なリズムは理解できなかったんだと思うんだよ」

「そうだね、ジョンには理解できない。僕のリリシズムに溢れた哲学的なピアノも、彼には少し難し過ぎたと思うんだよね」

「じゃあ僕達が早過ぎたんだね」

「そうとしか考えられないよね、思うにジョンには罪はない」

「確かに。ところでスティーヴ、君、これから行くアテはあるかい?アート・ファーマーが一緒にどうだ?って言ってるんだよ」

「アートか、彼はジョンよりもオーソドックスな...言い方は悪いが保守的なトランぺッターじゃないのかい?」

「そうなんだが”ある程度は好きにやっていい”ってニコニコしながら言うんだな。知的でスタイリッシュなトリオが欲しいと」

「それはきっと僕達しか務まらないね」

「じゃあ行こうか」

「うん、そうだね」

と、実にポジティヴな展開から(うん、多分・汗)、彼らはアート・ファーマーの新バンドに行きました。

その時2人の隣で(うんうん、そうだ)と頷いていたのが、ベースのスティーヴ・スワロウ。

言い忘れてましたが、この人も”相当”です。

寡黙なくせに、上手に他の音と折り合いを付けながら、いつの間にかウニョウニョとアブストラクトなフレーズでもって、リズムを上手に溶かしながら、演奏全体を”どこへ行くか分からないアンニュイなスリル”の色に染め上げる変態...いや、名人です。

この3人はアレと似てます、ルパンV世のルパンと次元と五エ衛門です。

キューンとラ・ロカはルパン的なところと次元的なところを両方持つ、大胆で突拍子もない人達ですが、スワロウは間違いなく五ェ衛門です。何を考えてるかわかんないけど、することは一番おかしいという・・・。





【パーソネル】
スティーヴ・キューン(p)
スティーヴ・スワロウ(b)
ピート・ラ・ロカ(ds)

【収録曲】
1.アイダ・ルピノ
2.アー・ムーア
3.トゥデイ・アイム・ア・マン
4.メモリー
5.ホワイ・ディド・アイ・チューズ・ユー?
6.スリー・ウェイヴズ
7.ネヴァー・レット・ミー・ゴー
8.ビッツ・アンド・ピーセズ
9.コッド・ピース


とまれ、コルトレーンを経て、ファーマーを経て、3人が

ラ・ロカ「やったね、ファーマーのアルバムはなかなかいい感じだよ」

キューン「やっぱり僕達の表現の方向性に間違いはなかったんだよ、ファーマーも僕達をいい感じでサポートしてくれたよね」

スワロウ「(うんうん、そうだそうだ)」

アタシ(おいお前たち、ファーマーがリーダーのアルバムだぞ...。)

と、天然ポジティヴ最高潮になった時、ようやく満を持して”スティーヴ・キューン・トリオ”として制作/発表したのがこのアルバム。

一言で言うと「やりたい放題」です。

とは言っても、決してフリーで前衛でイケイケでバリバリのことをやっている訳ではない、3人のコンセプトはあくまでも”美”です。

キューンのピアノを中心に、どこまでも硬質で温度のない、まるで精巧なガラス細工のような透明な音楽が、奏でられ、胸が詰まるほどの香気を放ち、そして美しく散らされる。

あぁ、もうね...。何て言いますかね。

アタシは”美しいピアノ”ってのは、たとえばビル・エヴァンスや、昨日紹介したドン・フリードマンみたいに、端正込めた上質なメロディを、丁寧に丁寧に、たっぷりの詩情を絡めて紡いでゆくもんだと思っていたんです。

でもね、キューンの場合は、不意に狂気のスイッチが入って、その美しいメロディを「ガーン!」「バーン!」と破壊しちゃうんですよ。破壊とまではいかなくても、感極まった果てに執拗に同じフレーズをガッコンガッコン繰り返して、空間からどんどん血の気が引いてゆく、そして一通りの「ガーン!」が終わった後の静寂の”間”に、メロディーの残骸がキラキラ美しく舞っている。

いわばこれ”ほろびの美”です。

さっき”不意に狂気のスイッチが入って”と言いましたが、今このスリー・ウェイヴス聴いてると、キューンは最初から狂気全開にして弾いてるし、スワロウもラ・ロカも完全にそれに乗っかってて、狂気×3の完璧なヤバいコンビネーションでこれ、最初から最後まで演奏が流れてく。

ところがどっこいどこをどう聴いても「あぁ、これすごくメロディアスだ...」と、感動のため息しか出て来んのですよね。こんだけ激しく音を散らせているのに、どこにもメロディの破綻はなくて、完璧だとしか思えない。

考えてみればキューンのピアノって、この時期の「ジャズ崩すべぇか♪」な音も、ECMとかでやってた抽象幻想画な演奏も、最近のひたすら甘美なスタンダードも、一切のブレがなく、全部”美しい”の一言にスーッと着地できちゃう。”美しい”と言うには余りにも情感が過ぎて幻想が過ぎて甘美が過ぎるのかも知れませんけど、やはり一言でいえば”美しい”なんです。そう言えちゃうんです。相当に凄いことだと思うんですが、こういうのって一体何て言うんでしょう。


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2017年11月06日

ドン・フリードマン サークル・ワルツ

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ドン・フリードマン/サークル・ワルツ
(Riverside/ユニバーサル)


昨日はボビー・ティモンズ『ディス・ヒア』を皆さんにご紹介しながら、ジャズにおける”ファンキー”とは何か?ということをお話ししましたので、本日はモダン・ジャズが成熟を極めた1960年代、今度はファンキーに代表される”ノリを求めるベクトル”のジャズとは真逆の方向から”鑑賞音楽としての質を重視したジャズ”というものについてお話しましょう。

ちょいとのっけから難しいことをのたまってしまったような気がしますが、コレはつまりアレです。ノリがいいのばっかり聴いてると「あー、何かこうメロディアスなやつも聴きたいね〜」と思うのが人情で、ジャズの世界にもそういうのがあったんですね。クラブでワイワイ言いながら聴くジャズもいいけど、家で静かにレコードで楽しみたいなぁとか、はい、そういうやつです。

具体的にいえば、クラシック音楽の耽美性を、ジャズ・ピアノの表現手法に大々的に盛り込んだスタイル。

とくれば、まず思い浮かぶのがビル・エヴァンスですね。

もちろんクラシックからの影響は、戦前からジャズの中に深く食い込んでおりましたし、モダン・ジャズ黎明期には、レニー・トリスターノというパイオニアがおりますが、エヴァンスはトリスターノの”クール”と呼ばれる水も漏らさないようなストイックな表現に、情緒の甘い毒を上手に絡めて「それを求める人誰もが感動できるようなピアノ表現」というものを大成させたんです。

ジャズ・ピアノの分野では”エヴァンス以降”あるいは”エヴァンス派”と呼ばれる一群がいて、今もこの流れを汲む人達の人気は非常に高いです。良いアーティストはたくさんおりますし、良い作品も多くあります。いずれも耽美でウットリするような美しい表現に秀でた人、多くおります。

知的でカッコ良くて、心の奥底の切ない部分をヒリリと刺激してくれる、そんなジャズ・ピアノが聴きたいという方のために、本日はこの界隈を代表する人の美しいアルバムをご紹介しましょうね、というわけでドン・フリードマンです。

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2016年に亡くなるまで、スタイルを変えることなく活動していた人なので、画像検索したら近年のとっても上品な老ジェントルマンな写真がたくさん出てきます。いいですよね、いかにも芸術家という感じがそのお姿からも滲み出ていて実にカッコイイ♪

この人は”エヴァンス派”の筆頭と呼ばれるピアニストで、耽美なメロディ重視のプレイ・スタイルは正にエヴァンスとの共通点をいっぱい見出すことが出来ますが、年齢的にはエヴァンスと同世代であり、幼い頃からガッツリクラシックを学んでいる(元々ジャズではなく、クラシックのピアニスト志望だった)そのやり方をあくまで自分なりにジャズ表現として寡黙に磨いてきた人であります。

ついでに言えばこの人のピアノ、最初は「お、これはビル・エヴァンスみたいでかっこいいね」となりますが、じっくりと聴けば聴く程、この人にしかないオリジナリティの虜になってしまって、正直アタシは「うん、この人はエヴァンス派というよりは、同時代にたまたま近いスタイルでもって世に出てきたライバルと言っていいんじゃないか」と思っております。



【パーソネル】
ドン・フリードマン(p)
チャック・イスラエル(b,@〜DF)
ピート・ラ・ロカ(ds,@〜DF)

【収録曲】
1.サークル・ワルツ
2.シーズ・ブリーズ
3.アイ・ヒア・ア・ラプソディ
4.イン・ユア・オウン・スウィート・ウェイ
5.ラヴズ・パーティング
6.ソー・イン・ラヴ
7.モーズ・ピヴォティング

この人の代表的名盤と呼ばれ、発売から50年以上経った現在も、多くのピアノ・ファンに聴かれ続けているのが、1962年録音の『サークル・ワルツ』であります。

全編美しく滑らかなタッチで奏でられるピアノと、ビル・エヴァンス・トリオ二代目ベーシストとして活躍したチャック・イスラエルの憂いのあるベース、そしてアタシ個人的に好きなドラマーNo.1のピート・ラ・ロカの鋭利な切れ味のドラムによるトリオ編成で、えも言えぬ幻想美に彩られた世界が描かれております。

一言でいえば「知的でロマンチック」たとえば一曲目『サークル・ワルツ』、イントロからどこか物哀しいメロディが躍動しながら立ち上がる瞬間の感動や、ハイ・テンポながらもそのアドリブにはふんだんに抒情が盛り込まれていて、聴く人の意識をどこか知らない”遠く”へ誘ってくれる『シーズ・ブリーズ』、静かなイントロからベース、ドラムが入ると加速して香気を振りまいてゆく『アイ・ヒアー・ア・ラプソディ』と、冒頭3曲だけでも、「はぁ美しい、はぁぁ美しい...」が止まりません。

中盤以降もその詩情の質を高純度で維持しながら、アルバム一枚分の憧憬をじっくり聴かせるフリードマンですが、後半に無伴奏ソロで奏でられる『ソー・イン・ラヴ』がクライマックスでしょう。穏やかなイントロ、急加速するアドリブ、そしてヒリヒリした余韻を残しながら消えてゆく何か...。これぞリリシズム!と、何度聴いても感動がこぼれて上手く言葉になりません。

特に素晴らしいのが、メロディアスに展開してゆくピアノのメロディーに、ピッタリ息を合わせ、歌うようにリズムを変化させてゆく、ピート・ラ・ロカのドラムです。

ラ・ロカといえば、以前にもジョン・コルトレーンの『Live At The Jazz Gallarey』でご紹介したように、個性的な管楽器奏者との共演においては、かなり独自のタイム感で、ある意味”かみ合わないところ”が魅力だったりします。

そんなラ・ロカがアタシはもう大好きなんですけど、このアルバムでのラ・ロカ、やっぱり絶妙な”間”と空白で、独自のアクセントを付けて叩いているんですが、その”間”と”空白”が、ピアノやベースの醸す抒情に、細かいところまでピタッ、ピタッと合わさるんですよ。

エヴァンスと違ってフリードマンの音色は、硬質で情緒に流されないところなんですが、そんなフリードマンの音色とも合った、細くしなやかなドラムの音も、いや本当に素晴らしい。



個人的に、ドン・フリードマンのアルバムで好みのものといえば、このアルバムより更に得意分野である現代音楽の方に踏み込んで、冷たい音で実験的なメロディーを紡いでゆくアルバムの方だったりするんですが、それでもやっぱり『サークル・ワルツ』を時折集中的に聴きたくなって、このアルバムにしかない、ひんやりと儚い抒情に浸りたくなるのは、やっぱりこのアルバムが作品としての”特別な何か”を持っているから。そして、どこをどう聴いても「最高に美しいジャズ・ピアノ作品」として、誰にオススメしても間違いがないからだと思うからであります。
















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